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Cinco porciones al día disminuyen el riesgo de hipertensión y otras enfermedades

LAS FRUTAS SON UNA EXCELENTE FUENTE DE SALUD Y BIENESTA

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Aunado a su delicioso sabor, estos alimentos  engloban un conjunto de propiedades ideales para mejorar el sistema inmune y aportar energía al organismo.

Por: Leonicia Cusati.

Las frutas siempre han figurado como un importante elemento en la cocina venezolana, aportando  ricos sabores al paladar. Entre las más destacadas, por su exquisitez e importantes propiedades para  mejorar la salud, están el tamarindo, la guayaba y la naranja.

Son consideradas una poderosa fuente de energía y bienestar, puesto que su contenido de vitaminas, antioxidantes y minerales, contribuyen a una vida sana. Algunas de las afecciones que se pueden reducir con la ingesta de estos frutos son la hipertensión arterial, ceguera, estreñimiento, altos niveles de colesterol, y un débil sistema inmune.

El tamarindo es rico en proteínas, vitaminas, y minerales  ideales para combatir infecciones. Igualmente, la vitamina C y el potasio son algunas de sus mejores propiedades para  optimizar el funcionamiento de los riñones, la visión, y aportar energía al organismo.

La guayaba, originaria de México y América Central, toma protagonismo al combinar una gran cantidad de vitaminas y antioxidantes perfectos para reducir el colesterol, prevenir el cáncer oral, disminuir la aparición del acné, aliviar la tos, y evitar afecciones del corazón.

La naranja es una de los comestibles con mayor contenido de agua, y engloba alrededor de 170 nutrientes capaces de mejorar el sistema inmune. Además tiene propiedades diuréticas y antioxidantes.

Es por ello que la Organización Mundial de la Salud (OMS) recomienda consumir, al menos, 400 gramos de frutas diarios, y así disminuir los principales detonantes de algunas patologías como diabetes, cáncer, sobrepeso y osteoporosis.
Este conjunto de propiedades posicionan al tamarindo, la naranja y guayaba como unas de las más deliciosas y beneficiosas bebidas para la salud, y que Industrias Maros C.A. se asegura de incorporar en su variada gama de néctares, totalmente libres de conservantes y colorantes.

Los consumidores pueden degustar el exquisito sabor de estos néctares en diferentes presentaciones prácticas, como las botellas de vidrio de 250 cc y 1000 cc,  envases de aluminio de 340 (latas) de 340 cc, y Tetra Brik de un litro, en el caso de la naranjada, para refrescarse de la manera más exquisita y saludable.
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Así funcionan las primeras latas de bebidas que se enfrían solas

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En apenas 90 segundos, una nueva tecnología te permite enfriar la bebida de una lata con apenas un giro de muñeca.

Por: BBC / 22 de mayo.

Tomar una cerveza caliente puede llegar a ser una mala experiencia. Los ácidos del lúpulo se descomponen con la luz, afectando a su sabor y haciendo que sea desagradable.

Un refresco caliente puede tornarse demasiado dulce y un café helado pierde todo su sentido si no se toma a la temperatura adecuada.

Pero, ¿qué hacer si uno no tiene una nevera a mano o hielo para enfriar el producto?

La empresa californiana The Joseph Company, especializada en tecnología y alimentación, acaba de lanzar un sistema con el que pretende solucionar el problema: "la primera lata del mundo que se enfría sola", asegura en su sitio web.

Se trata de una iniciativa que ha logrado un reconocimiento especial de la NASA (la agencia espacial de EE UU, un premio de la Agencia de Protección del Medio Ambiente (EPA, por su sigla en inglés) y otro del ejército estadounidense.

La compañía estadounidense asegura que lleva dos décadas desarrollando y perfeccionando la tecnología detrás de las latas que se enfrían solas -a la que ha llamado "MicroCool"- y que el sector de las bebidas llevaba 70 años intentando crear.

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Este nuevo sistema permite enfriar el líquido en su interior cuando el consumidor lo desee | THE JOSEPH COMPANY INTERNATIONAL

"Consumidores en zonas con refrigeración limitada, participantes en actividades como camping, pesca o navegación, y pequeños comerciantes comprenderán el impacto que la autorrefrigeración representa hoy día para la sociedad", asegura la firma estadounidense.

Funciona a través de una "revolucionaria tecnología que enfría automáticamente la bebida de su elección en (apenas) un minuto, sin usar electricidad, energía o hielo".

Las latas -cuyo nombre comercial es Chill-Can (lata que enfría)- ya se venden en las estanterías de la cadena de supermercados estadounidense 7-Eleven en 15 tiendas en el área metropolitana de Los Ángeles, California.

Frío "bajo demanda"

El primer producto en adoptarlas ha sido una nueva línea de café helado llamado Fizzics Sparkling Cold Brew Coffee (café frío espumoso preparado), unas latas de café de 250 mililitros y que se enfrían al hacer girar una pequeña pieza en la base del recipiente, antes de voltearla rápidamente.

Ese gesto permite liberar dióxido de carbono (CO2) de un depósito interno, enfriando la bebida en entre 75 y 90 segundos, y haciendo disminuir su temperatura unos 16 ºC.

El sistema añade un peso de 150 gramos al peso total de la lata, cuyo precio roza los US$4 (más del doble que un refresco de cola).

"Como la tecnología de autorrefrigeración es muy innovadora, queríamos introducirla con una bebida innovadora", indicó Tim Cogil, director de marcas privadas de 7-Eleven, en un comunicado de prensa.

"Será la primera bebida que pueda enfriarse bajo demanda, aportando un nuevo nivel de conveniencia a los clientes que quieran disfrutar de una bebida fría cuando lo deseen".

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Al girar una pieza en la base del recipiente se desprende CO2 y se enfría la bebida -café helado- en menos de dos minutos | THE JOSEPH COMPANY INTERNATIONAL

Segundo intento

Aunque la tecnología es nueva, este no es el primer intento en fabricarla.

En 2012, la misma compañía, The Joseph Company, intentó crear unas latas con capacidad de autorrefrigeración para la multinacional estadounidense PepsiCo.

Pero en esa ocasión usaron un compuesto muy contaminante: un gas llamado HFC-134a.

Se trata de un gas de tipo hidrofluorocarbono (palabra de la cual se derivan sus siglas HFC) muy negativo para el efecto invernadero y que se incorpora en la fabricación de algunos vehículos.

De acuerdo con la la ONG ambientalista Greenpeace, el HFC-134a es un gas "promovido por la industria química que, si bien no daña directamente la capa de ozono, tiene una alta incidencia en el calentamiento global".

El HFC-134a se considera mucho más dañino que el CO2 que contiene el nuevo sistema, cuyos fabricantes definen como "seguro para el medio ambiente".

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Las latas autorrefrigeradas ya son una realidad en Estados Unidos | GETTY IMAGES.

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¡Adiós, minimalismo! El fin de la estética nórdica.

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Por: Tachy Mora.
Molduras decorativas de la firma Orac Decor.

Del auge del latón a las paredes en azul intenso, pasando por la vuelta de las molduras. Un recorrido por las cinco tendencias que anuncian la llegada de una nueva sofisticación decorativa.

LA AUSTERIDAD  tiene los días contados. Quizá no en el sector económico, pero sí en el del interiorismo. Se percibe en las nuevas tendencias decorativas, que se inclinan claramente hacia ambientes más sofisticados: la vuelta de las molduras, el auge del azul oscuro y el latón, la reinterpretación del estilo Memphis y el éxito del mármol falso. Una nueva manera de entender el lujo se avecina. Y la buena noticia es que muchas de las corrientes estéticas que protagonizarán el futuro más cercano son relativamente asequibles.

El minimalismo estuvo de moda hace más de una década. Después llegó la crisis, que condujo a la moderación. Y a continuación, el boom del estilo escandinavo, que reivindicó los espacios naturales y la filosofía hygge —un decálogo ­decorativo que busca crear interiores reconfortantes— como una especie de ­terapia doméstica ante el caos exterior. En total, más de un decenio en el que han dominado los colores neutros, los acabados sobrios, los materiales remilgados y toda forma de expresión aséptica y contenida.

Pero ha llegado a su fin. Ahora es el turno de los espacios más lujosos, aunque no en el sentido tradicional. El nuevo lujo es chic y sofisticado. Huye de la ostentación. Y también es más moderado en cuanto a su ornamentación. Es como si una vivienda minimalista hubiera tenido primero un idilio con un apartamento escandinavo, después con una casa palaciega y ahora su pareja fuera un millennial de espíritu colorista. La clave está en ir dotando a los ambientes de una mayor personalidad y elegancia a través de pequeños gestos: colores contundentes en paredes, muebles, tapizados o complementos decorativos, elementos arquitectónicos tradicionales y el empleo puntual de materiales suntuosos. No se trata de dar una vuelta radical a lo que uno ya tiene, sino de completarlo. Con prudencia.

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Sala de estar creada por 2LG Studio.

1. Molduras, zócalos, cornisas: elementos con pedigrí

— Son uno de los grandes recursos decorativos para transmitir elegancia y distinción. A veces, también, una prueba de que el edificio posee un cierto peso ­histórico, pues estos elementos han sido tradicionalmente utilizados en las viviendas más pudientes de cualquier ciudad. Precisamente por eso se los considera tan distinguidos como rancios (especialmente los rosetones). Sin embargo, en los últimos tiempos, están viviendo un cierto apogeo ­gracias a su capacidad para elevar varios niveles el pedigrí de un espacio por muy poco dinero: han aparecido productos estandarizados mucho más ­económicos en cuanto a coste, instalación y mantenimiento.­

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Dormitorio diseñado por el estudio 2b Group.

— Las molduras en concreto se están volviendo a emplear para tradicionales cuarterones como en propuestas más creativas. Del primer caso, un buen ejemplo es la luminosa sala de estar (sobre estas líneas) diseñada por 2LG Studio para su propia casa-oficina en el sureste de Londres. Se trata de una vivienda de la época victoriana y, aunque parece que esos cuarterones han estado ahí toda la vida, la verdad es que son nuevos, según explica Jordan Cluroe, uno de los cofundadores de este estudio, que no destaca precisamente por hacer proyectos clásicos, sino más bien por sus interiores de estilo fresco y contemporáneo.­

— Cuando se emplean de una forma más creativa, el objetivo es sacar estos recursos decorativos de su uso tradicional pero manteniendo de algún modo su esencia. Y puede hacerse como demuestra el ­cabecero y el techo de este dormitorio (arriba, a la izquierda), creado por el estudio de origen ucraniano 2b Group. Están realizados con yeso y espuma de poliestireno, porque se trata de un diseño personalizado difícil de conseguir con productos estandarizados. No obstante, con elementos estándar, como por ejemplo los de la firma Orac Decor, se pueden lograr también ambientes con un gran atractivo que, incluso, incorporen iluminación ambiental camuflada en sus cornisas.

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Apartamento de Barcelona diseñado por Miriam Barrio.

2. ‘Serenity’, índigo y azul oscuro casi negro: los tonos estrella

— Junto con el rosa cuarzo, el azul serenity (es decir, una especie de pastel apagado) fue el color del año en 2016. Un intento de introducir un toque de luminosidad en los ambientes asépticos y escandinavos que han dominado la decoración de interiores en lo que llevamos de década. En los últimos tiempos el rosa cuarzo está tornando hacia un salmón, animado por otra tendencia en auge: el retorno del estilo Memphis de los ochenta. Y por este mismo motivo, el azul está evolucionando a un índigo. Pero también, incluso, a un elegante azul oscuro casi negro. El propósito es ir hacia espacios con un toque más sofisticado. De hecho, en la última edición de Casa Decor, la conocida muestra sobre interiorismo que tiene lugar cada año en Madrid, diseñadores como Cristina Berrocal, Mayte Fernández, Belén Cogolludo, Guillermo Santomá, Impar Grupo y Batavia incluyeron este tono en las paredes de sus propuestas de salones y dormitorios, recreando atmósferas íntimas y acogedoras.

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Apartamento de Barcelona diseñado por Miriam Barrio.

— Pintar las paredes de un dormitorio o un salón de azul oscuro no suena tan loco, pero ¿y una cocina? La interiorista Miriam Barrio se ha atrevido a utilizarlo tanto en este espacio como en el aseo de un piso que acaba de reformar en Barcelona. Este color contrasta con el blanco empleado en el salón, con el que la cocina comparte un solo ambiente. “No lo uses si el espacio no es luminoso”, advierte Barrio. “Y tampoco a medias pintando una sola pared, apuesta por él con decisión en toda la habitación”, aconseja. El mobiliario y los textiles en “tonos suaves, como los topo o el rosa palo, combinan muy bien con el azul oscuro”.

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Colgante decorativo para poner velas de Ferm Living. Cuesta 74 euros.

3. Del cobre al latón, la diferencia está en la aleación

 ­— La era de los aceros satinados y acabados metálicos llamados a pasar inadvertidos está llegando a su fin. El cobre ha vuelto a primera línea del interiorismo y ha contribuido a dar un toque cálido a los espacios en forma de complementos y accesorios, desde lámparas de techo a portavelas. Esta tendencia es una consecuencia natural del paso de los ambientes naturales y espartanos a otros con ligeros toques de color, que se tradujeron en un uso progresivo primero del gris y después del rosa cuarzo, dos tonos con los que el cobre combina a la ­perfección.­

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Candelabro de Jaime Hayon para Fritz Hansen. 185 euros.

— Este trío cromático sigue siendo tendencia y la entrada del latón en escena no es más que una evolución de esta misma corriente hacia propuestas cada vez más atrevidas. Su atractivo tono dorado aporta un toque lujoso sin cruzar la temible línea roja que separa lo sofisticado y lo ostentoso. La clave está en emplearlo en detalles, a ser posible que sorprendan por lo inesperado, como por ejemplo la grifería, tanto de cocina como de cuartos de baño.­

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Lámpara de araña modelo Sputnik en latón, diseño de Borgia Conti. 270 euros.

— El latón será todo un acierto en una casa que viene precisamente de una decoración escandinava, porque funciona muy bien con tonos neutros y ayudará a iluminar cualquier zona a través de una lámpara de araña o de mesa, un candelabro, un espejo o piezas meramente decorativas. Combina muy bien con superficies de mármol, pero también con tonos muy oscuros. Con acabado en brillo o satinado. Ojo: no encaja en absoluto con la estética rústica.

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Dormitorio diseñado por Nuria Alia para Casa Decor 2018.

4. La revisión del estilo Memphis y los otros ochenta

— Formas geométricas, colores potentes e incluso chillones, mezclas anárquicas de materiales y referencias en las que cualquier cosa tenía cabida. Así era el estilo Memphis, que a la larga terminó derivando en algo muy kitsch y, probablemente, poco entendido. Se trata de un movimiento que surgió en los años ochenta de la mano del diseñador Ettore Sottsass como respuesta a la ultracorrección hacia la que se dirigían los interiores: una curiosa línea de pensamiento, cuando menos, tras haber dejado atrás la muy loca y futurista década de los setenta. El grupo Memphis estuvo integrado por reconocidos diseñadores como Michele de Lucchi, Andrea Branzi, Nathalie du Pasquier y el español Javier Mariscal.

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Colección de mobiliario Toadstool, del estudio Masquespacio para la firma Missana.

— La revisión que la generación millennial está haciendo de este estilo tiene hoy casi más sentido que en su día, porque ahora el interiorismo sí que lleva una década instalado en una ultracorrección decorativa y funcional. Así que las nuevas generaciones de diseñadores, inspirados por el espíritu colorista y experimental del grupo Memphis, han comenzado a homenajear a esta extravagante estética.

— Esta influencia se deja notar, por ejemplo, en la colección de mobiliario Toadstool (imagen superior), que el estudio Masquespacio ha diseñado para la firma Missana. Formas geométricas con una combinación de materiales muy dispar: mármol, madera y metales dorados con tapicerías de colores muy potentes. Una mezcla igual de variada se encuentra también en el dormitorio (imagen superior, a la derecha) creado por Nuria Alia, y visto en la última edición de Casa Decor. La cuestión es que, si bien comparten múltiples referencias estéticas, la gran diferencia entre el Memphis de ayer y de hoy es que el actual no parece buscar la provocación ni genera desconcierto. 

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Modelo White Attica, de Caesarstone, con una veta negra muy marcada.

5. Mármol falso, pero natural, más resistente y fácil de mantener

— El lujo siempre ha estado ligado al uso de piedras naturales y, en especial, al mármol. Desde suelos a encimeras de cocina y baños completos, este material ha sido y es imprescindible en cualquier casa de estilo clásico. Así que, en esta transición hacia ambientes más sofisticados no podía faltar una buena piedra natural, aunque en esta nueva era sea falsa.

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Mármol Eternal Calacatta Gold, de Silestone, utilizado en la isla y en el frente superior de la cocina.

— Que se trate de un mármol de laboratorio no quiere decir que sea un producto de mala calidad. Al contrario. Los nuevos materiales que han surgido recientemente imitando su veta natural ofrecen incluso mejores prestaciones, porque se trata de mezclas ultracompactas mucho más resistentes y que requieren menor mantenimiento y cuidados que el delicado mármol natural. Están realizados con mezclas minerales, muchos de ellos con cuarzo. Así que en su esencia son productos naturales pero, a la vez, tecnológicos.­

— También consiguen emular el color de ciertos mármoles de una manera asombrosa, como el Calacatta o el de Carrara. Los tonos en blanco son los que más triunfan en los espacios contemporáneos porque encajan muy bien con la estética escandinava. Pero también con el latón. Así que no es raro verlos revistiendo encimeras, islas y frentes de cocina, así como cuartos de baño a juego con una grifería en este metal.­— Estos mármoles pueden usarse para revestir estructuras que en realidad están elaboradas con otro material mucho más económico o ligero. Si la isla de la imagen de la izquierda estuviera hecha de mármol de verdad, el suelo de la cocina habría sufrido un peso ­difícil de soportar por muchas construcciones. 

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ARQUEOLOGÍA

Descubren en Egipto restos de un templo del siglo II

Encontraron una pintura de piedra caliza de cinco metros de largo con inscripciones griegas y decorada con el disco solar rodeado de cobras.

AP | EL CAIRO, Egipto 11 may 2018

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El templo fue encontrado cerca del oasis de Siwa en el desierto occidental. AP

Arqueólogos en Egipto descubrieron los restos de un templo que data del siglo II, informó el Ministerio de Antigüedades el jueves.

El templo, que data del reinado del emperador romano Antoninus Pius, fue encontrado cerca del oasis de Siwa en el desierto occidental. Incluye los cimientos de un gran edificio de piedra caliza.

Abdel-Aziz al-Dimeiry, jefe de la misión arqueológica, dijo que encontraron una pintura de piedra caliza de cinco metros de largo con inscripciones griegas y decorada con el disco solar rodeado de cobras.

Agregó que la pintura, que se cree que es parte de la entrada del templo, se encuentra en buenas condiciones y se someterá a restauración.

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Arqueólogos analizan los hallazgos. AP

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¿Quién es Vasíli Kandinsky?

(Vasíli o Wassily Kandinski o Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

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Vasili Kandinsky.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

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Amarillo-rojo-azul (1925), de Kandinsky

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg(Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.

En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

FUENTE: BIOGRAIFIASYVIDAS.COM

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Las ciudades que más reciclan en el mundo y los sistemas que utilizan

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Cuando uno viaja, se da cuenta enseguida de que cada ciudad tiene su particular sistema de reciclaje. Frente a la idea de que este debería ser un asunto universal y que funcionara más o menos parecido y sobre todo, de manera eficiente, obtenemos todo lo contrario. No obstante, en cada ciudad se opera de una manera diferente, tal vez por las necesidades que cada una tiene y que cambia de una localidad a otra. No está de más ver los ejemplos más exitosos e intentar reflejarse en ellos.

Con esta intención se reunieron en el ciclo Waste In Progress varias de las ciudades que más reciclan en el mundo. Allí compartieron sus experiencias e iniciativas municipales con el fin de transitar de los local a lo global.

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MAPA DE LAS CIUDADES QUE MÁS Y MEJOR RECICLAN EN EL MUNDO. | FUENTE: WATER IN PROGRESS

Según datos del Grupo Banco Mundial, casi un 55% de los habitantes mundiales vive en urbes que producen entre 7.000 y 10.000 millones de toneladas de basura urbana cada año, aunque las ciudades que acudieron a la cita de Waste In Progress arroja algo de luz en esta oscuridad. Aquí los sistemas que utilizan algunas de ellas y que les ha permitido estar entre los supercampeones del reciclaje mundial:

San Francisco (Estados Unidos)

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LOS VECINOS DE LA DECIMOTERCERA CIUDAD MÁS POBLADA DE ESTADOS UNIDOS TIENEN UNA GRAN CONCIENCIA ECOLÓGICA. | FOTO: MARCIO JOSE SANCHEZ / AP

San Francisco es una ciudad mediana, la número 13 en Estados Unidos por número de habitantes (805.235, según el último censo), que ha logrado colocarse entre las más eficientes en tareas de reciclaje. Para tal cometido, la ciudad cuenta con tres contenedores diferentes: orgánico, resto y reciclables. Los contenedores son luego levantados y vaciados por la empresa Recology, una vez cada semana. Por este servicio, que es público, los vecinos deben pagar una tasa de 30 dólares mensuales. Las políticas de reciclado en San Francisco fueron pioneras: comenzaron en 1989 y en 25 años han logrado rebajar un 80% la cantidad de desechos enviados a los vertederos. Por lo tanto, el secreto del éxito de San Francisco es la amplia conciencia ecológica de su población.

Múnich (Alemania)

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ASPECTO DE UNOS CONTENEDORES DE RECICLAJE EN UNA NEVADA MÚNICH. | FOTO: DAVID WANG / FLICKR

La población de Múnich se cifra en alrededor 1,4 millones de habitantes y también está entre las más eficientes del planeta en asuntos de reciclado. Su modelo de gestión funciona especialmente porque lo financian los vecinos en función de la cantidad de restos de generen, por lo que mientras menos restos generen, menos tienen que pagar. La eficacia en la gestión de residuos supera el 50%, y su sistema de recogida es puerta a puerta.

Seúl (Corea del Sur)

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A PESAR DE ESTAR SUPERPOBLADA, SEÚL ES UNA DE LAS CIUDADES MÁS VERDES DEL MUNDO EN TÉRMINOS DE RECICLAJE. | FOTO: MH / FLICKR

La capital de Corea del Sur es una ciudad superpoblada: cuenta con más de 25 millones de habitantes. Esta circunstancia no evita que sea una de las más eficientes en materia de reciclaje. Las autoridades penalizan el desperdicio de residuos alimentarios mediante un sistema de pago sobre la fracción orgánica, algo que ha logrado un porcentaje de reciclaje del 62%.

Adelaida (Australia)

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UN CÓDIGO DE COLORES ASEGURA EL ÉXITO DEL SISTEMA DE ADELAIDA, EN AUSTRALIA. | FOTO: TEEKAY72 / FLICKR

La quinta ciudad en términos de población de Australia (1.187.466 de habitantes) ha conseguido una recogida selectiva de residuos del 60%, un dato nada desdeñable. La clave del éxito de su sistema se debe a los programas de formación que ha difundido el ayuntamiento entre la ciudadanía mediante un código que funciona como un semáforo de tráfico. Este código ayuda a comprender mejor cómo reciclar, gracias a lalógica de colores. El rojo es la fracción no reciclable, el amarillo los desechos reciclables y el verde los residuos orgánicos.

Milán (Italia)

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La capital de la moda en Italia tiene un sistema realmente original: no tienen contenedores en la calle. La basura generada por sus millón y medio de habitantes se recoge puerta a puerta en cinco fracciones, y esto se hace sólo dos días a la semana. Con este sistema, las autoridades milanesas ha conseguido reciclar el 54% de los residuos.

Cardiff (Gales)

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LA CAPITAL GALESA ES OTRA SUPERCAMPEONA EN RECICLAJE. | FOTO: GERAINT ROWLAND / FLICKR

La capital galesa cuenta con 3.113.000 habitantes, y ha logrado una eficacia del 59% en el reciclado de residuos. Esta cifra se debe al servicio de puerta a puerta: el vidrio, los envases, el papel y el cartón son recogidos en los propios hogares de los vecinos con el fin de fomentar su reciclaje.

Por: @TheObjective_es
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Un tal López. El primer registro de un retrato de recién casados en Vzla.

Cuarta entrega de la serie “Artistas olvidados”, por Beatriz Sogbe: “Los lectores dirán ¿pero por qué tanta exaltación en un cuadro pintado torpemente y del cual ni siquiera conocemos el nombre de pila del autor? Para el investigador nunca bastan las suposiciones, sino las certezas”.

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López. Don Estevan de Ponte y Blanco con Da. María del Carmen Peláez y Hurtado, 2 de marzo de 1800

No nos referimos al maestro pintor, escultor y dorador del siglo XVIII Juan Pedro López (activo entre 1750 y 1787) sino a López. Alguien del cual ni siquiera conocemos su nombre de pila.

Hace unos años nos invitaron a evaluar las piezas de la sucesión de Andrés Ponte y Lola Brandt de Ponte. Ella fue una de las tres hijas del pintor Federico Brandt. Era una hermosa colección donde destacaban numerosos objetos y muebles donde reconocíamos muchos objetos cotidianos insertados en los cuadros del pintor. Pero entre tantas maravillas una pequeña pieza colonial llamó nuestra atención. Se trataba de un óleo que recreaba a una pareja de recién casados. Estaba firmado al dorso: López me fecit (López me hizo) y con una curiosa leyenda abajo, en el anverso:

Don Estevan de Ponte y Blanco, Cavallero del Orden de Alcántara, Primero de Cavallería se retrató a los 44 as y seis meses de su edad en 2 de marzo del año 1800 con Da. María del Carmen Peláez y Hurtado a los 28 años y 7 meses de su edad

Obviamente ese escrito encantador tenía que fascinar. Sobre todo porque ya Don Alfredo Boulton nos enseñó que en 1732 el maestre Don Antonio Pacheco pintó a los Condes de San Javier, pero de manera separada. Fue un testimonio de dos nobles y acaudalados venezolanos de ese tiempo que dejaron evidencia de su poder y su riqueza, reflejado en hermosos ropajes y costosas joyas. En esta pieza la pareja muestra también los escudos familiares a cada lado del lienzo. Con el tiempo la sucesión –ya en litigios por la herencia–, sacaba a relucir las joyas de la condesa para la división del patrimonio.

Los pintores hasta el siglo XIX eran pardos. No tenían posibilidades económicas. No podían viajar a Europa a aprender técnicas y su oficio lo aprendían de tradición oral, en unas escuelas de corte familiar. Así nacen las escuelas de los Landaeta, del Tocuyo, etc. Los lectores dirán ¿pero por qué tanta exaltación en un cuadro pintado torpemente y del cual ni siquiera conocemos el nombre de pila del autor? Para el investigador nunca bastan las suposiciones, sino las certezas. No poseemos la rica tradición pictórica de México mediante la cual, dada la gran cantidad de castas que se originaban, por la mezcla de razas, y la confusión que mencionarlas ocasionaba en Europa, se optó por “ilustrar” las mismas con pequeños cuadros donde se iluminan los cruces que iban desde blanco con negro: mulato, indio con negro: zambo y hasta cosas tan complicadas como salto atrás, no te entiendo o coyote. Cruces productos de las mezclas raciales en el tiempo. Llegaron a ser más de treinta variables de estas, unas piezas llenas de curiosidad que se venden millonariamente en las subastas internacionales –por el enorme interés sobre el tema.

En el caso de la convulsionada historia venezolana no tenemos un gran registro de pinturas de parejas nobles. ¿Por qué? Primero, porque éramos una Capitanía General. Dicho en otros términos, una provincia menos importante. Solo después de que emergen los grandes terratenientes o “grandes cacaos” había la posibilidad de que se realizaran este tipo de encargos. Posteriormente, los terremotos (1812) que devastaron Caracas y las Guerras de Independencia y Federal –hicieron el resto para acabar con las pocas piezas de interés. En 1813 el Libertador proclamó el Decreto de Guerra a Muerte. Y en 1814 ocurrió la terrible huida a Oriente por miedo a Boves y sus tropas. Un tiempo que fue denominado el año terrible de Venezuela. La alta sociedad caraqueña –entre ellas María Antonia Bolívar y Luisa Cáceres de Arismendi–, se fundieron con los más desposeídos, en la desbandada. Todas estas piezas eran nuevas en ese momento. Solo importaba salvar la vida. En ese momento desesperado, Mariño y Bolívar negocian los servicios del corsario Giovanni Bianchi y le dan en custodia armamentos, tesoros de la República y reliquias de plata y oro de las Iglesias de Caracas, en 24 cajones, para salvarlos de los realistas. Posteriormente, en Cumaná, ocurrió una disputa entre Mariño y Bianchi por el pago de la tripulación, y tras el derrumbe de la autoridad –cuyos oficiales desconocen a Mariño–, Bianchi se apodera del Tesoro. Piar apoya al corsario y este se escapa. Pero Bolívar y Mariño lo alcanzan en Pampatar. Tras gran disputa devolvería parte de lo robado, pero se llevó una buena parte a la isla de San Bartolomé. Dolorosamente estamos plenos de historias de este corte. De tal manera que lo poco que pudo salvarse, de nuestro arte colonial, quedó en el Zulia y Lara. Muy pocas en la zona central del país –donde estaban las mejores piezas. Que esta obra se salvara fue casi un milagro.

La pequeña pieza de López dejó el testimonio de una Caracas que vivía momentos de paz. Un momento plácido para contratar un retrato que fue, muy posiblemente, el encargo a un “fotógrafo” de la época para dejar testimonio de boda. Hoy en día sería motivo de crónica social. Así las cosas, el retrato de un “Tal López” queda para la memoria plástica venezolana como el primer retrato del que tenemos registro de unos recién desposados.

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EXPEDICIÓN DE 14 DÍAS

Descubren nuevas especies marinas exóticas en el Mar de Java

AFP | YAKARTA, Indonesia

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Los científicos exploraron 63 sitios, en uno de ellos encontraron una araña de mar de color naranja vivo. AFP

Los científicos van a estudiar en detalle más de 12 mil criaturas de las 800 especies que se encontraron en esta expedición y contemplan publicar los resultados en 2020.

Un cangrejo ermitaño y un camarón de ojos brillantes figuran entre una decena de nuevas especies exóticas descubiertas durante una expedición en las aguas profundas de la isla indonesia de Java, anunció el 19 de abril un equipo científico.

En una expedición de 14 días efectuada por un equipo de la Universidad Nacional de Singapur (NUS) y del Instituto Indonesio de Ciencias (LIPI) en marzo y abril, los científicos exploraron una zona inmensa del océano Índico frente a las costas del sur de Java y en el Estrecho de la Sonda que separa esta isla de Sumatra.

"Es una zona del océano Índico que nunca había sido explorado para la observación de animales en aguas profundas, por lo tanto no sabíamos realmente qué nos íbamos a encontrar", declaró a la AFP Peter Ng, un especialista en cangrejos.

"Nos sorprendieron mucho los hallazgos" de estas especies exóticas totalmente nuevas para la ciencia, que "nos dicen que pasan cosas en esta parte de Indonesia que no conocemos", agregó.

También descubrieron tres nuevas especies de arañas de mar durante la expedición en la cual exploraron 63 sitios, precisaron los científicos en un comunicado. Una de estas arañas tenía una placa protectora en sus ojos que parecían orejas sobredimensionadas, mientras otra era de un color naranja muy vivo, según describieron los exploradores.

Entre los otros hallazgos también destaca un cangrejo ermitaño con ojos brillantes, según el científico indonesio Di Listo Rayuela, también experto en cangrejos. Otra novedad fue una especie de camarones con ojos brillantes que reflejan la luz. Estos científicos van a estudiar en detalle más de 12 mil criaturas de las 800 especies que se encontraron en esta expedición y contemplan publicar los resultados de sus trabajos en 2020, dijo Ng.

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MADRID

Por qué el caso de Faber-Castell se estudia en Harvard

El fabricante de lápices alemán, fundado en 1761, sobrevive y se adapta a los desafíos tecnológicos

La firma se ha centrado en el lápiz, tomando decisiones arriesgadas y decidiendo no entrar en algunas innovaciones

La historia del fabricante de lápices alemán Faber-Castell llamó la atención del profesor de Harvard Business School, Ryan Raffaelli, quién decidió analizar cómo una firma, fundada al calor de los artesanos que montaron sus talleres en Núremberg alrededor de 1660, sobrevive en la actualidad. En la villa de Stein, se asentó Kaspar Faber, que al principio trabajó para comerciantes locales, pero en su tiempo libre y por su cuenta producía lápices. En poco tiempo, el negocio fue tan exitoso que pudo montar en 1761 su propio negocio. Fue el arranque del mayor fabricante de lápices del mundo, que ha sido administrado por la misma familia durante ocho generaciones.

“Esta compañía ofrece un escenario único para examinar cómo las empresas ya consolidadas sobreviven a las conmociones tecnológicas a lo largo del tiempo”, explica el docente Raffaelli, que comparte este tipo de investigaciones con los alumnos del MBA y con ejecutivos de empresas, y que para elaborar este caso mantuvo una serie de entrevistas con el fallecido presidente ejecutivo, Anton-Wolfgang von Faber-Castell, su esposa Mary, miembro del consejo de administración, así como con el equipo de dirección y de administaración de la firma.

En su análisis examina cómo las industrias y las organizaciones se reinventan cuando se enfrentan a innovaciones y a modelos de negocio que amenazan con desplazarlas. Es por ello, que el profesor de Harvard introduce el concepto de “resurgimiento tecnológico’’, un proceso mediante el cual las empresas y sectores afectados son capaces de redefinirse a sí mismos. “En el mundo de hoy, donde las tecnologías pueden ser sustituidas en meses, en lugar de en años, un ingrediente clave de la reinvención organizacional es la habilidad de adaptarse a las circunstancias cambiantes, abandonando ciertas capacidades que han definido lo que hacemos, pero al mismo tiempo manteniendo la esencia fundamental de quienes somos’’. La visión imperante ­­­­­­de la evolución organizacional y tecnológica asume que las antiguas tecnologías desaparecerán cuando lleguen otras más nuevas. Sin embargo, la teoría de Raffaelli desafía este punto de vista mediante ejemplos en los que la demanda continúa existiendo para una tecnología antigua, o disminuye para luego reaparecer en un momento posterior.

La capacidad de Faber-Castell de preservar el mercado de lápices sirve como ejemplo de este fenómeno. Es el caso de otras empresas, como las libretas Moleskine o la industria relojera suiza. “Durante los períodos de cambio tecnológico, a menudo surgen tensiones entre la preservación y la adaptación a medida que las empresas intentan reinventarse a sí mismas. Cada una de estas empresas se enfrentó a un shock tecnológico, que obligó a sus directivos a tomar decisiones difíciles sobre a qué aferrarse y qué elementos del pasado dejar atrás. Cada uno ha reflexionado sobre cómo ampliar y hacer crecer una base de clientes extraordinariamente fiel, al tiempo que redefine el valor de sus productos con el fin de avanzar hacia nuevas categorías de mercado y nuevas regiones geográficas”, señala el investigador, quien cree que todo proceso de innovación en empresas consolidadas, a menudo, requiere que la organización acepte la contradicción. “Deben continuar innovando e impulsando el crecimiento de los productos que actualmente las hacen exitosas, pero al mismo tiempo, tienen que generar nuevas corrientes de innovación que probablemente sean las que desplacen a sus exitosos productos de hoy”. 

Faber-Castell ha sido capaz de sobrevivir enfocándose en encontrar nuevos mercados y aplicaciones para su principal producto: el lápiz. Y al mismo tiempo, explorar formas de adoptar gradualmente nuevas tecnologías y mercados. La jugada más sorprendente de Anton-Wolfgang von Faber-Castell fue no entrar en el negocio del diseño asistido por ordenador (CAD). Esto significa tener coraje para no adoptar una innovación.

Por: Paz Álvarez.

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La Gioconda de Madrid puede esconder imágenes y mensajes ocultos

  • El historiador italiano Silvano Vinceti asegura también que la pintura es obra de un discípulo español de Leonardo da Vinci

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La copia de la Gioconda que expone el Museo del Prado. (Museo del Prado)

Por: SÍLVIA COLOMÉ.

Uno de los cuadros más misteriosos y fascinantes de la historia del arte, la Gioconda, no deja de acaparar sorpresas. Esta vez, no obstante, la protagonista no es la Mona Lisa del Louvre de París, sino la que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid.

La pinacoteca española descubrió hace escasos años, mediante una reflectografía infrarroja y una radiografía, que la que se suponía era una copia de la famosa obra de Leonardo da Vinci, pero sobre fondo negro, en realidad, tenía el mismo paisaje que la del Louvre.

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La Gioconda de Madrid antes y después de la restauración. (Museo del Prado)

Además, los estudios dictaminaron que ambas fueron pintadas en el mismo momento e incluso pudieron salir de la misma tabla de nogal. De hecho, el Prado señala como presunto autor del retrato a alguno de sus discípulos más cercanos, como Salai o Francesco Melzi.

Una cuidada restauración redescubrió en 2012 el fondo original que había permanecido oculto, presumiblemente añadido “después de 1750”, según el museo español. Es en este paisaje recuperado que ha saltado la sorpresa.

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Investigación italiana

El conocido historiador italiano Silvano Vinceti, presidente del Comité Nacional para la Valorización de Bienes Históricos, Culturales y Ambientales, acaba de dar a conocer el resultado de una investigación que pone de manifiesto la existencia de imágenes mensajes ocultos en esta obra, tal y como también desveló que ocurre en La Gioconda del Louvre hace ocho años.

En 2010, cuando la copia madrileña todavía estaba cubierta de negro, Vinceti sorprendió al mundo entero revelando que la famosa imagen de Leonardo da Vinci oculta una letra ‘S’ en su ojo izquierdo y una ‘L’ en el derecho (que podría hacer referencia a la inicial del genio florentino y de Lisa Gherardini, la modelo, y a la de la familia Sforza, gobernantes de Milán en esa época y mecenas del pintor). También se puso de manifiesto la existencia del número 72 bajo el puente del paisaje.

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'La Gioconda' de Leonardo da Vinci (Archivo)

Ahora que ha recuperado todo su esplendor, Vinceti y su equipo han estudiado en profundidad la Mona Lisa madrileña valiéndose del mismo sistema que el de la parisina. “Una observación visual cuidadosa puede vislumbrar algunos signos ocultos”, afirma el investigador, antes de detallar que han utilizado sobre todo “una lupa, un medio usado siglos antes de Cristo”, seguramente el mismo sistema que permitió realizar tales detalles casi “invisibles”, según Vinceti.

Además, el equipo también se ha valido de fotografías en alta resolución y programas informáticos para “sacar a la luz los arcanos escondidos en las pinturas”, señala el investigador italiano.

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Los elementos ‘invisibles’

En el paisaje, a la izquierda de la nariz de la Gioconda, aparece, según Vinceti, un rostro humano que representaría un personaje musulmán. Una teoría que sin duda será controvertida, tal y como sucedió con la de la Mona Lisa parisina, y que también secunda el historiador José Luis Espejo. “Tiene todas las características de un morisco hispánico”, indica. “Lleva un gorro magrebí, sus labios son gruesos y carnosos, a la manera semita, y su barba es típicamente musulmana”. Para el investigador, no hay “la menor duda de que se trata de un ‘moro’ español, de los que había centenares de miles en ese tiempo en España”.

Además de otros elementos que estarían ocultos en la obra, como un castillo octogonal “típico de construcciones catalanas y también de la orden de los templarios” o un puente y una iglesia, el cuadro presenta, según la investigación, unas inscripciones en el mismo lugar donde en la Gioconda de Leonardo aparece la palabra ‘che’ (qué).

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La presumible imagen de un rostro oculto en La Gioconda de Madrid (Comité Nacional para la Valorización de Bienes Históricos, Culturales y Ambientales)

En esta ocasión, se trata de un par de criptogramas escritos en castellano: ‘O fe tenéis’ y ‘Casta non c’tnía (casta non cristiana tenía). Para Espejo, estas manifestaciones aludirían al “carácter no cristiano del personaje barbudo, que parece que tenga un ojo golpeado”. Según el investigador, este detalle “puede esconder una crítica o protesta a la España de ese tiempo, que se distinguía por la persecución o la discriminación de los que no eran cristianos viejos”.

Silvano Vinceti recuerda que “en el período del Renacimiento, particularmente en la tradición toscana y florentina, el pensamiento iconográfico era un medio de comunicar las ideas filosóficas, religiosas e incluso políticas”. De hecho, “en ese momento el tribunal de la Inquisición estaba en pleno auge y si un artista quería expresar una crítica, lo mejor era hacerlo con un lenguaje simbólico”.

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El autor de la Gioconda española

Para el investigador italiano, todos estos elementos que vinculan la Gioconda del Prado con España solo pueden conducir a una conclusión: “El autor de este cuadro es español”. Y más concretamente, se trataría de otro discípulo de Leonardo, Fernando Yáñez de la Almedina. “Vivió en Florencia y asimiló esa cultura y práctica artística del pensamiento traducida en signos y símbolos que constituye una concepción del arte renacentista como medio para combinar la belleza y pensamiento”, analiza.

Espejo también coincide con Vinceti. “Estoy convencido que el autor de la Gioconda de Madrid solo puede ser español”. Y apunta otro minúsculo detalle. Una de las pupilas de la Mona Lisa española también oculta una letra, en este caso una ‘M’ sobre dos rayas que para el investigador puede aludir a María Magdalena. “Leonardo dejó criptogramas alusivos a sus creencias gnósticas y cátaras”, recuerda, algo que sus discípulos habrían aprendido bien.

"El autor de la Gioconda del Prado es español.

SILVANO VINCETI
Investigador italiano

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Las cinco mejores actuaciones de la gran María Félix

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María Félix durante una visita a Madrid en 1950. EFE

María Félix logró consagrarse como una de las glorias del cine mexicano. Y hoy, repasamos la carrera de esta diva recordando sus cinco mejores interpretaciones:

La legendaria María Félix es recordada el 8 de abril, fecha que marca la llegada y la partida de esta gran estrella del cine mexicano.

El público amaban su estilo irreverente y talento sin par, y su belleza y sensualidad conquistaron las cámaras y la llevaron a convertirse en símbolo sexual de la época de oro del séptimo arte.

Su carácter firme le valió el apodo de La Doña e inspiró la obra de dramaturgos y compositores, entre ellos, Agustín Lara, quien le compuso María Bonita como declaración de su amor.

Su gracia quedó plasmada en unas 47 películas, y en algunas compartió escenas con Pedro Armendáriz y Dolores del Río.

María Félix logró consagrarse como una de las glorias del cine mexicano. Y hoy, repasamos la carrera de esta diva recordando sus cinco mejores interpretaciones:

Doña Bárbara, 1943. Dirigida por Fernando de Fuentes, la cinta está basada en la novela homónima del autor venezolano Rómulo Gallegos. Protagonizada por María Félix y Julián Soler.

Enamorada, (1946). Dirigida por Emilio Fernández y con las actuaciones de María Félix y Pedro Armendáriz.

Doña Diabla, (1950). Dirigida por Tito Davison, el filme está basada en la obra teatral homónima de Luis Fernández Ardavín.

Tizoc, (1957). Dirigida por Ismael Rodríguez, la película ganó el Golden Globe al mejor filme extranjero. Protagonizada por María Félix y Pedro Infante.

La corona negra (1951). La cinta es una coproducción francesa-española y está dirigida por Luis Saslavsky.

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Qué son los ftalatos y por qué comer fuera puede aumentar el riesgo de una (dañina) exposición a ellos

Fuente: BBC Mundo.

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MONKEYBUSINESSIMAGES / GETTY IMAGES

El estudio halló que la asociación entre los ftalatos y el comer fuera era mayor para los adolescentes.

Hasta ahora sabíamos que comer fuera está asociado al consumo de más azúcar, sal y grasas de lo recomendado por los expertos en nutrición. Ahora resulta que ese hábito también parece aumentar nuestra exposición a los ftalatos, unos químicos derivados del plástico que son dañinos para nuestra salud.

Así lo concluyó un equipo de investigadores de las universidades estadounidenses de Washington y California, Berkeley, que analizaron los restos de ftalatos en la orina de más de 10.000 personas en Estados Unidos a las que previamente se les había preguntado qué y donde habían comido el día anterior.

Los científicos hallaron que las personas que decían comer con más frecuencia en restaurantes, cafeterías y establecimientos de comida rápida tenían niveles de residuos de ftalatos un 35% mayores que las personas que decían consumir alimentos preparados en casa, según el estudio publicado en la revista científica Environmental International.

Los ftalatos o ésteres de ácido ftálico son un grupo de productos químicos industriales utilizados para la fabricación de plástico, para hacerlo más flexible o resistente.

Pero son nocivos para la salud humana: además de ser desestabilizadores del sistema hormonal o endrocino, numerosos estudios los vincularon a malformaciones del feto, asma, cáncer e infertilidad, entre otros problemas de salud.

De hecho en EE.UU. y la Unión Europea se prohibió su uso en juguetes y en cualquier material diseñado para estar en contacto con menores, ya que sus cuerpos aún están en desarrollo.

  • Los químicos potencialmente peligrosos ocultos en productos que usamos en casa a diario.

Sin embargo los ftalatos se siguen utilizando para fabricar muchos productos utilizados en el proceso de producción de comida, como las cajas de plástico para llevarla, los guantes para manipular los alimentos, los equipos con los que se procesa la comida y otros objetos utilizados en la cadena de producción, tanto en restaurantes, como cafeterías y establecimientos de comida rápida.

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SERGEYRYZHOV / GETTY IMAGES

Los ftalatos o ésteres de ácido ftálico son un grupo de productos químicos industriales utilizados para la fabricación de plástico, para hacerlo más flexible o resistente.

Numerosas investigaciones científicas previas concluyeron que estos químicos se pueden filtrar de los contenedores o envoltorios plásticos a los alimentos.

"La mujeres embarazadas, los niños y los adolescentes son más vulnerablesal efecto tóxico de estos químicos que alteran el sistema hormonal, así que es importante encontrar maneras de limitar nuestra exposición", dice Julia Varshavsky, la autora líder del estudio, de la Facultad de Salud Pública de la universidad de California, Berkeley.

Adolescentes, los más vulnerables

Varshavsky y su equipo concluyeron que ciertos alimentos, como las hamburguesas y los sándwiches, cuando son comprados en restaurantes y cafeterías de comida rápida, están asociados a un mayor nivel de ftalatos en la orina.

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THE MILKEN INSTITUTE SCHOOL OF PUBLIC HEALTH

Los investigadores, que para el estudio utilizaron los datos de una encuesta nacional sobre salud y nutrición realizada entre 2005 y 2014 (conocida como NHANEs por sus siglas en inglés), comprobaron que el 61% de los participantes dijeron haber cenado fuera el día anterior.

Los resultados mostraron que la asociación entre los fatalatos y el comer fuera era significativa para todas las edades pero aún mayor para los adolescentes.

Este grupo demográfico, más consumidor de comidas rápidas fuera del hogar, tenía un nivel de ftalatos 55% mayor que el de las personas que solo habían comido en casa.

"Nuestros resultados sugieren que para la población de Estados Unidos comer fuera puede ser una fuente importante y hasta ahora no acreditada de exposición a los ftatalatos", dijo Ami Zota, investigadora del instituto Milken de salud pública de la universidad George Washington, que participó en el estudio.

Los autores del estudio creen que futuras investigaciones deberían abordar cuáles son las intervenciones más eficaces para retirar los ftalatos de la cadena alimentaria.

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Lo mejor para adelgazar es comer en un horario concreto

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Fuente: ComputerHoy/ JMMR

Investigadores del Instituto Salk en San Diego, sostienen que comer dentro de un intervalo de tiempo determinado cada día ayuda a las personas a perder peso y a prevenir enfermedades como la diabetes o las cardíacas. 

De momento este estudio sobre seres humanos está en sus primeras fases, pero sí que se ha podido probar en ratones y ha funcionado extremadamente bien.

No obstante, orgullosos muestran sus estudios donde han demostrado que la ingesta de alimentos por un periodo de 8 o 12 horas en lugar de comer alimentos durante todo el día, ayuda a mantener una buena línea de peso e incluso a alargar años la duración de vida. A esto se le llama alimentación con restricción de tiempo o TRF y, para que todos nos entendamos, significa que “come todo lo que te dé la gana pero siempre y cuando lo hagas en una franja de tiempo determinado”.

Tras cuatro meses, los ratones que solo podían comer en una franja de ocho horas pesaban un 28% menos que los que comían en cualquier momento.

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Descubren los rastros humanos más antiguos en América del Norte

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Un total de 29 huellas de pies se encontraron en los sedimentos durante el trabajo de excavación realizado entre 2014 y 2016. Tomada de Twitter @PLOSONE

El estudio sugiere que los humanos estuvieron presentes en la costa del Pacífico de Columbia Británica hace unos 13,000 años.

AFP | NUEVA YORK, Estados Unido.

Los rastros humanos hallados en una isla a lo largo de la costa de Columbia Británica, en el oeste de Canadá, tendrían alrededor de 13,000 años, lo que los convierte en los más antiguos descubiertos en América del Norte, según un estudio publicado el miércoles.

Estas huellas pertenecen probablemente a dos adultos y un niño que caminaron descalzos sobre tierra arcillosa en lo que hoy es una playa en la isla Calvert, al noreste de la isla de Vancouver, indican los autores del estudio publicado en la revista PLOS ONE.

Un total de 29 huellas de pies se encontraron en los sedimentos durante el trabajo de excavación realizado entre 2014 y 2016, dijo el autor principal Duncan McLaren, profesor de antropología en el Instituto Hakai y la Universidad de Victoria, en Columbia Británica.

El estudio sugiere que los humanos estuvieron presentes en la costa del Pacífico de Columbia Británica hace unos 13,000 años y que la región ya estaba entonces libre de hielo, mucho antes del final del último período glaciar en el continente, que se remonta 11,700 años atrás.

Este descubrimiento refuerza la hipótesis respaldada por un creciente número de investigadores según la cual los primeros hombres que llegaron a América del Norte emigraron desde Asia a través de un corredor terrestre a lo largo de la costa, sin hielo, para finalmente llegar a Columbia Británica.

Apoyar esta hipótesis no ha sido fácil para los investigadores, ya que esta zona de Canadá, muy accidentada y cubierta de densos bosques, solo es accesible por barco, explicaron.

Los investigadores concentraron sus excavaciones en un área de mareas en la isla Calvert, donde el nivel del agua era de dos a tres metros más bajo que el actual al final de la era glaciar.

Los autores creen que otros trabajos de excavación con métodos más elaborados permitirán descubrir más huellas, ayudando a reconstruir la historia de los primeros asentamientos humanos a lo largo de la costa oeste de América del Norte.

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La Gran Mancha de Basura
en el Pacífico es hasta 16 veces
más grande de lo que se creía anteriormente según un nuevo estudio

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Por: Like, Share & Do.

La isla de plásticos que se concentran en el Océano Pacífico está creciendo y ya ocupa más que Francia, Alemania y España juntos. Cerca de 79.000 toneladas de desechos plásticos, en forma de 1,8 billones de piezas de plásticos, flotan en la llamada Gran Mancha de Basura del Pacífico, entre California y Hawái.

Dos aviones y 18 barcos han mapeado la contaminación y han estimado que es hasta 16 veces más grande de lo que se creía anteriormente. El 92% del material está formado por deshechos grandes —entre las que se encuentran muchas redes de pesca—, mientras que el 8% lo conforman microplásticos, de un tamaño inferior a 5 milímetros.

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Fuente: The Ocean Cleanup Foundation.

La corriente oceánica llevan los vertidos humanos hacia el área, donde está aumentando la basura dentro del parche y se vuelve en el centro más densa. En 2050 se calcula que habrá más plástico que peces en el mar. Estos desechos viajan hasta lugares remotos: incluso se ha encontrado plástico en el Ártico.

Pronto habrá más plástico que peces en los océanos.

El estudio realizado por científicos de The Ocean Cleanup Foundation más seis universidades y una compañía de sensores aéreos enfatiza que estamos subestimando la dimensión del problema.

Algunos de los restos provienen del tsunami que golpeó Japón en 2011 y arrastró grandes cantidades de basura al mar. Gran cantidad de los vertidos llegan desde países del Pacífico.

En general, todos contribuimos. En 2015, una investigación reveló que 8 millones de toneladas plásticas acaban en el mar cada año. Para 2025, se estima que aumente un 22%. La Mancha se supervisa desde que existen datos que comenzaron en los años 70. Los nuevos resultados visibilizan la urgencia de parar de incrementar esa isla nada paradisíaca.

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Pasar tiempo en el espacio puede transformar el ADN de los astronautas

Por: Milenka Peña.

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Pasar tiempo en el espacio exterior afecta a los astronautas de maneras que continúan sorprendiendo a los científicos, alterando su estatura, su vista, su estructura ósea, y -según se acaba de descubrir- hasta su propio ADN.

El astronauta Scott Kelly estableció un récord permaneciendo en el espacio durante más tiempo que ningún otro ser humano hasta el momento en el vuelo espacial más largo de la historia. Obviamente esa experiencia fue transformadora, y sus genes parecen confirmarlo, literalmente. La NASA informó que un estudio realizado en Kelly y su hermano gemelo idéntico, descubrió que pasar casi un año en el espacio cambió significativamente el ADN del astronauta.

Cuando el veterano de la NASA regresó a la Tierra, después de pasar 340 días seguidos a bordo de la Estación Espacial Internacional, los investigadores notaron inmediatamente que había crecido dos pulgadas de altura, debido en parte a las condiciones antigravitacionales de su entorno. Pero ahora, una serie nuevos estudios que comparan a Scott con su gemelo idéntico, Mark, quien también es astronauta de la NASA, pero quien se quedó en la Tierra durante el viaje de 340 días, han revelado que el viaje espacial tuvo el poder de alterar mucho más que su estatura.

“Los telómeros de Scott (tapas terminales de los cromosomas) en realidad se hicieron significativamente más largos en el espacio”, escribieron los investigadores de la NASA en un comunicado, agregando que el astronauta tuvo cientos de “genes espaciales” activados, que alteraron su sistema inmunológico, la reparación del ADN, y las redes de formación de huesos.

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La NASA se prepara para evitar que un asteroide impacte en la Tierra en 2135

Planean lanzar una nave al espacio con ojivas nucleares.

Por: unocero.

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Seguramente has escuchado sobre el asteroide Bennu, bautizado incluso como el “asteroide de la muerte”, pues según estudios de la NASA existe una probabilidad de que Bennu se impacte contra nuestro planeta en septiembre del año 2135.

Aún quedan muchos años, y la probabilidad es de 1 entre 2,700, pero el asteroide Bennu tiene un diámetro de casi 500 metros, y su impacto contra la Tierra generaría una explosión de 1.15 gigatoneladas de energía, que tendría una destrucción 23 veces más grande que la bomba de hidrógeno más poderosa conocida hasta la fecha en el planeta Tierra.

Por esta razón la NASA y la Administración Nacional de Seguridad Nuclear de Estados Unidos están desarrollando un plan con el que puedan desviar el curso del asteroide Bennu, o al menos reducir a niveles mínimos el daño sobre la Tierra.

Para ello, se planea lanzar una nave al espacio conocida hasta ahora como HAMMER (Hypervelocity Asteroid Mission for Emergency Response), la cual tendrá un peso aproximado de 8.8 toneladas y llevará en su interior ojivas nucleares con las que buscará detener la trayectoria de Bennu y desviarlo de vuelta a la órbita solar.

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Investigadores estiman que hay cinco y no dos formas de diabetes

Los investigadores analizaron los datos de 13 mil 720 pacientes desde 2008, analizando su producción de insulina, su nivel de azúcar en la sangre o la edad en la que apareció la enfermedad.

AFP | ESTOCOLMO, Suecia.

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La diabetes de tipo 2 (casi el 90% de los casos) corresponde a un alza prolongada de la tasa de azúcar en la sangre, asociado a menudo con la obesidad y los modos de vida. LA PRENSA/Archivo.

Científicos propusieron una nueva clasificación de diabetes estimando que existen cinco formas diferentes y no dos como se conocía actualmente, lo que puede según ellos permitir afinar los tratamientos. Actualmente este trastorno de asimilación de azúcar por el cuerpo está clasificado en dos categorías.

La diabetes de tipo 1 (alrededor de 10% de los casos), que aparece generalmente de manera brutal en los niños o jóvenes adultos, es caracterizada por una producción insuficiente de insulina. Esta hormona secretada por el páncreas permite mantener el equilibrio de la tasa de glucosa en la sangre.

La diabetes de tipo 2 (casi el 90% de los casos) corresponde a un alza prolongada de la tasa de azúcar en la sangre, asociado a menudo con la obesidad y los modos de vida (sedentario, alimentación desequilibrada).

Los autores de un estudio sueco publicado por la revista especializada Lancet Diabetes & Endocrinology proponen afinar esta clasificación instaurando cinco categorías, tres severas y dos más benignas.

"Es un primer paso hacia el tratamiento personalizado de la diabetes (...). La clasificación actual no es suficiente para predecir las complicaciones que pueden presentarse", estimó uno de los autores del estudio, Leif Groop, de la universidad de Lund.

Para llegar a estas cinco categorías, los investigadores analizaron los datos de 13 mil 720 pacientes desde 2008, analizando su producción de insulina, su nivel de azúcar en la sangre o la edad en la que apareció la enfermedad.

La primera de estas cinco nuevas categorías corresponde a la diabetes de tipo 1. Las otras cuatro son subdivisiones de la diabetes de tipo 2, cada una con sus características particulares. Una de ellas se caracteriza por un riesgo más grande de retinopatía (enfermedad de la retina que afecta a casi el 50% de los diabéticos de tipo 2).

Otra concierne los pacientes obesos y se caracteriza por una importante resistencia a la insulina, con un riesgo elevado de afección renal. Las dos últimas categorías, menos severas, reagrupan a pacientes obesos que desarrollan la enfermedad a una edad temprana para la primera, y pacientes de mayor edad para la segunda (el grupo más importante, un 40% de los pacientes). 

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