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“Little Metropolis”
es la muestra que se presenta en Objetos DAC
La Ciudad Sostenedora de Dulena Pulgar.

Su obra es intuitiva, visceral, dibujando la ciudad y sus altos edificios, como bocetos. Impregnada de multiplicidad e intensidad de color y movimiento. Lienzos de pintura acrílica, en pequeño formato, que hacen un homenaje a las grandes urbes, fantasiosas, brillantes y llenas de textura.

Las ciudades imaginarias vuelven a estar presentes, como referencia a dónde ha estado. La técnica es acrílico con crayones de oleo, sólo pintura y dibujo, once obras, que se presentan desde el 23 de septiembre en los espacios de Objetos DAC. Dulena Pulgar exhibe una “Little Metropolis” (pequeña metrópolis), que está llena de caos, ruidos, de secuencias, de mucho color y sobre todo de un espacio donde nos obliga a convivir juntos. Se trata de una ciudad que se alterna entre la multiplicidad de colores que podrían interpretarse como la diversidad de pensamientos, razas y credos que pueden convivir en un edificio. Todo depende del espectador.

Esta muestra de expresionismo abstracto, en pequeño formato, es una pequeña visión de las muchas ciudades que la artista conoció y en algunas vivió, como la Barcelona de Gaudí, la antigua Roma, la Florencia de Da Vinci, Venecia y más. Es un proceso que viene presentando desde el 2000. Y desde su balcón, por medio del pincel, dibujó y pintó, ciudades grandes, coloridas, bordadas, brillantes, pero ésta “Little Metropolis”, es la que nunca han visto.

--Despertarme en una caja, confortable o así tratamos de hacerla... cálida, al salir de la caja, ésta se transforma en una torre que contiene muchas cajas. La ciudad sostenedora, la ciudad como un agarrador, una maceta donde florece una “Little Metropolis”. Esta manera en que vivimos los humanos... en cuatro paredes, cargadas de lo que nos hace feliz o no, y que nos da privacidad eso sí... ¿Que hay dentro de esas cajas? Muchas cosas o no tantas, pero sí muchos sentires. ¿Y afuera? Concreto, color, estructura, texturas, deterioro o no, y una cabeza que desde abajo se obliga a subir la mirada para verla.--relata la artista.

La utopía de sus urbes

Dulena Pulgar, nace en Caracas, en los setenta y tiene varias décadas como artista. Realizó estudios de diseño gráfico en el Instituto IZA y luego, obtiene la licenciatura en Artes Plásticas en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón. En el 2007, se le reconoció por la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos con el premio Joven AVAP. Participa en salones como Pirelli, Arturo Michelena, Caroní y CANTV Jóvenes con FIA, por mencionar algunos. La rutina es la base para que su obra se transforme y establezca un diálogo con el espectador. Ha expuesto en Caracas, Maracaibo, Valencia, Puerto la Cruz, Maracay y en el exterior, en Bogotá, (Colombia), Matanza (Cuba), Barcelona (España), Miami y New York (USA).

Dulena Pulgar recuerda que siempre estaba pintando. Desde muy niña, le rodeó la creación: “éste mundo del arte, lleno de tanto, olores a oleo, trementina, colores, crayones y lápices de dibujo”. Su padre, Juvencio Pulgar, diputado y político, influyó mucho con su vocación artística. Cuando tenía cuatro años se fue con sus padres a vivir a Maracaibo. Los artistas visitaban su casa. Ella visito sus estudios y desde pequeña se impregnó del mundo del arte. Su madre, Yibis Pulgar, quien era directora de la Galería de Arte Durbán, fue también un nexo cercano al entorno artístico. Luego, vendrían los viajes y las mudanzas. Un rasgo que marcó su infancia, fue que creció rodeada de adultos. Tan pronto logró vender 12 telas, compró un pasaje y se fue a vivir a Barcelona. Allí, siguió su proceso dibujando las urbes y experimentando con el collage, uniendo hilos con retazos para crear edificios.

--La muestra que se presenta en Objetos DAC, en Paseo Las Mercedes, es dibujando a la ciudad, con intenso colorido, como bocetos. Es totalmente intuitiva, visceral. La ciudad es mi entorno, es lo que veo desde que abro los ojos, es muy fácil hacer homenaje a nuestra cuna. Ahora estoy haciendo un zoom a esas ciudades, es un trabajo que aún descubro y todavía no he mostrado, ando trabajando en ello, -- explica.

Dulena Pulgar vive actualmente en Florida. “En estos momentos que atraviesa el país, para mí ha sido imposible tratar de inspirarme, sólo padezco, lamento desde la distancia la difícil situación, como inmigrante sé que cada vez estoy menos sola, cada día hay más venezolanos alrededor mío, pensando y añorando que algún día todo estará como antes…”

Pulgar seguirá trabajando con hilos y la pintura, además de enseñar a niños desde temprana edad a hacer arte. Su curiosidad de seguir explorando al mundo y plasmar las ciudades en los lienzos, sigue intacta y el espectador tendrá el privilegio de disfrutarla hasta principios de diciembre.

“Little Metropolis” estará abierta al público de lunes a sábado, en horario de 2 a 6 p.m.

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LA PIEL INTEMPORAL CREADA POR ROLAND RAMIREZ SE MUESTRA EN OKYO



La naturaleza en la que conviven la comunidad indígena ye´kwana y la cordillera montañosa que rodea Caracas, es el paisaje de fondo que cubre, revela y se trasparenta a través de los tejidos de cestería presentes en la obra pictórica de Roland Ramírez, quien inaugura su muestra individual La piel intemporal, este domingo 24 de septiembre a partir de las 11:00 a.m., en la Galería Okyo de Las Mercedes.

Este creador con casi tres décadas de experiencia y proyección en las artes, la docencia y la investigación, estableció una conexión con los pobladores que bordean el rio Caura, en el Amazonas, donde registró los procesos artesanales de esta cultura indígena, permitiéndole nutrirse y reinterpretar esos volúmenes hechos con fibra vegetal que están presentes como una capa, un entramado en su obra artística.

“Partiendo de su gran familiaridad con estas tradiciones que transforman las tiras de fibra vegetal, o sea simples líneas, en planos y volúmenes, donde la cuadrícula es a la vez estructura tridimensional y la base binaria de un lenguaje gráfico, Ramírez utiliza su conocimiento de las ecuaciones espaciales para expresar y acentuar el volumen de las cestas, explorando con asombro sus misterios geométricos, curvas y velocidades. Los detalles casi microscópicos del ‘pixelado’ del tejido, ampliados al gran formato, se vuelven una suerte de matriz híper tecnológica, futurista, con fines rítmicos de un mundo que oscila entre el mosaico y la matemática”, según expresa Paul Desenne en el texto que acompaña la muestra.

La piel intemporal de Roland Ramírez se proyecta en 10 pinturas en mediano formato, en los que se observa una estructura revelada de fibras tejidas, cuyo fondo o planos inferiores exploran un paisaje de naturaleza sobre cielos, montañas o las aguas del río Nichare, afluente mágico del Caura, y que a juicio de Paul Desenne constituyen un mundo simbólico.

“De las tiras de fibra, bidimensionales, nace la tridimensionalidad de la cesta que constituye el mundo; nace el vacío interior del objeto, que como dice sabiamente el Tao-te-King es lo que permite el adentro y el afuera: que la casa sea habitable, que el cuenco se pueda llenar, que el centro de la rueda pueda recibir el eje que le permite rodar. La sensación inevitable ante estos cuadros de Roland Ramírez es la dualidad entre el espacio interior y el mundo externo, el cual en algunos casos solamente vislumbramos a través de la boca de la gran cesta que nos envuelve (…) El tema de estos cuadros es la piel que está entre ese adentro y el afuera”, acota Desenne.

Roland Ramírez (Caracas, 1956) estudió dibujo con Pedro Centeno Vallenilla y en una de las escuelas de arte más prestigiosas del mundo, l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, en París, Francia. Además de ser un investigador incansable de las metodologías de diseño y producción de obras monumentales de todo tipo; murales, dioramas, escenografías, instalaciones, escultura, bajo relieve, etc., es matemático, profesor de diseño geométrico y explorador de los ríos y selvas del Estado Bolívar.

Su actividad artística la inició en 1985 con importantes muestras individuales y colectivas en Venezuela y Francia, desarrollando murales en edificaciones de la ciudad, además de crear una pieza mural en el Pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Hannover, Alemania, en el año 2000. Actualmente trabaja en el diseño y redacción del libro “Geometría descriptiva aplicada al diseño y a las artes”.

La exposición La piel intemporal se estará presentando del 24 de septiembre al XX de noviembre en la Galería OKYO, ubicada en la calle Veracruz, Edificio La Hacienda, PB, Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.galeriaokyo.com o seguir las cuentas de Twitter @okyoart e Instagram @okyogaleria

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EL NARCOLIBRO
DE DIANORA PEREZ
GANA EL XX SALÓN JÓVENES CON FIA
EN EL MACZUL

La artista caraqueña Dianora Pérez resultó ser la ganadora del primer lugar del XX Salón Jóvenes con FIA, que recientemente se inauguró en el Maczul por su obra artística de El Narcolibro.

El jurado, integrado por Idelisa Rincón, Humberto Valdivieso y Jimmy Yánez, decidió por unanimidad otorgarle el principal galardón a esta joven, que consiste en una exposición colectiva con el segundo y el tercer premio del presente Salón la Galería D'Museo de Caracas, un premio en metálico y un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua.

El Narcolibro proyecto en lectura Braille e impresiones tipográficos, compuesto por 14 cuadernillos dispuestos en una caja, que recogen la memoria de algunos hechos violentos ocurridos en Venezuela durante las últimas décadas y que de ninguna manera se han presentado como data a la opinión publica venezolana.

La obra es producto de la investigación sobre el tráfico ilícito de estupefacientes y sustancias psicotrópicas, así como del lavado de dinero en Venezuela, desde el 2007 al 2015, y promueve la lectura entre videntes e invidentes." Hace visible como se ejerce el poder para corromper los organismos gubernamentales", comenta la artista Dianora Pérez.

Esta propuesta artística presenta los 13 casos más conocidos, del narcotráfico venezolano, y en cada uno se describe la participación de cada funcionario del gobierno Bolivariano (civil o militar), desde su cargo y su aporte para la corrupción. Según expresa la artista Dianora Pérez "El Narcolibro pone en evidencia el poder del rojo gubernamental para hacer de la corrupción una legalidad incuestionable"
Nacida en Caracas, 1981, Dianora Pérez es profesora de Artes Plásticas en la UPEL - IPC, entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres en la ONG con Nelson Garrido y Juan Toro. Inicia su carrera expositiva en el 2002 con muestras colectivas, siendo sus actividades más recientes su participación en la Edición Premio Mendoza ediciones 2016 y 2017; Salón Octubre Joven, Museo de Valencia, en 2016; 3ra Bienal de gráfica Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez y el 40° Nacional de Arte Aragua., años 2015 y 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en el Premio Mendoza #14.
El segundo y tercer premio del XX Salón Jóvenes con FIA correspondieron a dos artistas del interior del país, María Fabiana Zapata (Porlamar, 1979) y Ricardo Arispe (Barquisimeto 1981), quienes participarán en una muestra colectiva en la Galería D'Museo y tendrán igualmente un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua, respectivamente.

Sobre la Diáspora y otras acciones de irse o volver, realizada en 2017 por María Fabiana Zapata, es una instalación-collage con hojas de pasaporte, libros, estampillas y encajes en la que la artista se permite explorar el fenómeno migratorio venezolano de una manera multidimensional, vinculando los procesos migratorios pasados y que en la actualidad se revierte la acción. Por su parte Ricardo Arispe con su obra fotográfica y de collage digital titulada La Ultima Guarimba registra con humor y sátira visual la realidad más cercana y sufrida por los venezolanos donde la opinión, las promesas, las acciones colectivas e individuales retratan un país lleno de contradicciones y necesidades.

Cabe destacar que el jurado del XX Salón Jóvenes con Fia otorgó tres menciones de honor a los artistas Ernesto Dávila, Aureliano Parra y Aymara Monsalve.

El Salón Jóvenes con FIA se está presentando en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) bajo el título El Poder y diálogos visuales; además de realizar una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este encuentro para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.
Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

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Juan Toro Diez mostrará la violencia desde otra perspectiva en la UBA
*** Estará mostrando su exposición en la Galería de Arte de la Universidad***

Mostrar otro enfoque a los hechos violentos y hacer un llamado de atención y a la reflexión, es lo que impulsó al fotógrafo venezolano, Juan Toro Diez, a comenzar desde el 2009 un registro fotográfico de esta situación, denominado Expedientes.

Este proyecto busca abordar desde el silencio hechos que forman parte del día a día y que deben llamar a la reflexión a los venezolanos. "Estuve trabajando un tiempo con periodistas y fotógrafos de sucesos, quienes me abrieron las puertas de esta fuente tan delicada y me permitieron conocer la realidad, abordando los hechos, no desde la perspectiva periodística sino desde otro ámbito", expresó Juan Toro Diez.

Es por ello que en la muestra que desde este jueves 21 de septiembre se estará exponiendo en la Galería de Arte de la Universidad Bicentenaria de Aragua, GAUBA, los asistentes podrán disfrutar de tres seriados fotográficos presentados en un fondo blanco, en los que se muestran objetos que representan manifestaciones y protesta recogidos durante el 2014, balas percutidas involucradas en hechos de violencia y una última serie de sillas vacías, que representan a personas que han perdido sus puestos de trabajo, entre otros aspectos.

"Eso muestra una idea general que nace de los problemas que tenemos como sociedad, retratos de ausencia, de alguna manera con estos objetos, empiezas a entender diversas situaciones desde su silencio", manifestó el creador de la exposición, quien añadió que consciente de la importancia del tema, buscó una manera de aproximarse a los hechos desde otro enfoque, "no algo tan evidente, como un cuerpo bañado en sangre".

Explicó que desde que inició la exposición, Expediente, la cual ya ha sido mostrada en importantes espacios expositivos como el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (Maczul), la Galería de arte de la Alcaldía de Barquisimeto, en la Galería Universitaria Braulio Salazar, también en Nueva York, Holanda, Medellín y España, los objetos que presentaban eran desconocidos, <los miguelitos>, <las bombas molotov>, <los cartuchos de bala>, <las bombas lacrimógenas>, "y ahora, ya la gente los nombra como algo cotidiano, se están incorporando en su vida, y eso debemos detenerlo".

La licenciada Idelisa Rincón, Directora de Cultura, Prensa y Relaciones Institucionales de la Universidad Bicentenaria de Aragua, se siente complacida de traer a los espacios de la GAUBA, esta exposición, que muestra, según sus palabras que las diferencias no se combaten con violencia sino con arte, con educación y reflexión, "eso es lo que está haciendo Juan Toro Diez de una manera distinta". Aseguró que a través del arte también se generan cambios con los cuales puede crecer el país. Reiteró la invitación a la ciudadanía aragüeña a participar de la inauguración de Expedientes, este jueves 21 a partir de las cinco de la tarde, muestra que permanecerá en estos espacios más de un mes.

Por su parte, el fotógrafo, Juan Toro Diez, invitó a la ciudadanía a asistir a la muestra con una mente abierta, "aquí verán una aproximación diferente al tema país y los invito a tratar de reflexionar sobre la sociedad que estamos viviendo".

Glorianny González.
Prensa UBA


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SALA TAC

EXPOSICIÓN: "Arquitectura norteamericana
en Caracas. 1925-1975: Our Architects". / HASTA EL 1 DE OCTUBRE


Miércoles a sábados 10:00 am. A 9:00 pm
Martes y domingos 1:00 pm a 9:00 pm.

CHARLA EN EL MARCO DE LA EXPOSICIÓN
21 DE SEPTIEMBRE 6:00PM

Hannia Gómez curadora de la exposición Arquitectura Norteamericana en Caracas 1925 1975. Our Architects.

En conmemoración del 450 aniversario de la fundación de Santiago de León de Caracas (1567 – 2017), la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Docomomo Venezuela y la Embajada de Estados Unidos presentan la exposición Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects, cuya organización ha sido posible también gracias al apoyo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (GSAPP) de Columbia University y de Docomomo US.

Descripcion:
La Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Docomomo Venezuela y la Embajada de Estados Unidos presentan la exposición "Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects", cuya organización ha sido posible también gracias al apoyo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (GSAPP) de Columbia University y de Docomomo US.

En el marco del 450 aniversario de la fundación de Santiago de León de Caracas (1567 – 2017) esta exposición reseña los diversos proyectos y la influencia que arquitectos, urbanistas, diseñadores y artistas norteamericanos aportaron en la construcción de la ciudad moderna entre 1925 y 1965.
Bajo la curaduría de Hannia Gómez y la colaboración de la profesora del Programa de Preservación Histórica de GSAPP, Jennifer Gray Johnson, y sus alumnos, junto a la museografía de Frank Alcock, esta muestra reúne una serie de obras, fotografías, textos, documentos y maquetas, con el fin de mostrar los diversos proyectos que arquitectos, urbanistas, diseñadores
y artistas norteamericanos aportaron en la construcción de la Caracas moderna entre 1925 y 1965.

La construcción de la nueva ciudad moderna se nutre y asimila las diversas maneras de hacer arquitectura que aportaron los autores norteamericanos, hasta convertirla en suya. El proyecto aborda el trabajo de 27 autores de origen norteamericano que desarrollaron su obra en el país. Entre ellos destacan los arquitectos Charles Dale Badgeley, Marcel Breuer, Richard Buckminster Fuller, Lathrop Smith Douglass, John y Drew Eberson, Aymar Embury II, Arthur B. Frohelich, Bruce Goff, Don Hatch y Richard Neutra. Igualmente figuran en este recorrido la obra pública de un artista como Alexander Calder, de paisajistas como Olmsted Brothers y John Raymond Van Kleek, de arquitectos de golf como Charles Banks y Dick Wilson y de promotores urbanos como Robert Moses.

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Salón Jóvenes con FIA 2017 llega al MACZUL
con la exposición
de su 20° edición
y una muestra retrospectiva


El Salón Jóvenes con FIA tomará las salas 1 y 5 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) a partir del sábado 16 de septiembre a las 5:00 p.m., con la exposición y premiación de la vigésima edición de este importante certamen de arte, que este año lleva por título El Poder y diálogos visuales; y una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este Salón para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.

A través de propuestas diversas como instalaciones, collages, acrílicos, fotografía digital, obra sobre papel, vídeo, audio y bordados sobre liencillos, el Salón Jóvenes con FIA en esta edición refleja la visión y reflexión de sus participantes acerca de la actual situación política, social y económica que vive el país, abordando el poder desde el deseo, la creatividad y la perseverancia de los creadores visuales, junto a la lucha de los organizadores por mantener en pie este encuentro reflexivo como una mirada esperanzadora en medio de las circunstancias, según afirma el curador Yuri Liscano en el texto que acompaña la muestra.

“Paralelamente a esta noción, se suman otras formas en las que el poder se manifiesta: la fuerza devastadora de la naturaleza, el carácter del ser humano para enfrentarse a distintas adversidades, el silencio o la palabra como dictamen; la decisión de formar, o no, parte de la diáspora; la ciudad como ente centralizado de mando, la hegemonía del Estado sobre la población y las ramificaciones que genera, influyentes en todos los ámbitos de la vida social”, escribe Liscano.

El XX Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales narra las angustias y devela una vorágine de acontecimientos íntimos y, a la vez, de todos, según palabras del curador. “Se alza como denuncia a la política entendida como mera ideología, esa que no atiende al colectivo. Aspira plantear interrogantes e inquietudes, compartir desasosiegos y ansias, siempre valiéndose del escenario circundante. Una especie de intercambio de vivencias, visiones y relaciones con el poder”.

Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

Una mirada referencial

Por su parte, la muestra retrospectiva que acompaña esta XX edición del Salón Jóvenes con FIA, da cuenta de 20 años de recorridos plurales, marcados por la diversidad, cruzados por múltiples conceptos, en un rango que incluye las más radicales disciplinas, tendencias y técnicas, según afirman los curadores María Luz Cárdenas y Alberto Asprino.

La selección que conforma la retrospectiva permitirá apreciar los cambios sociales y tecnológicos, diferentes medios y soportes visuales, así como la enorme potencia conceptual que caracteriza a la producción artística joven, a través de un conjunto de obras de los artistas que han ganado las diferentes ediciones del Salón Jóvenes con FIA, entre los que se incluyen Alfredo Sosa, Eduardo Molina, Alexander Apóstol, Gustavo Artigas, Juan Araujo, Ángel Marcano, Nayari Castillo, Federico Ovalles, Reymond Romero, Jaime Gili, Flix, Juan Pablo Garza, Camilo Barboza, Armando Ruiz, Manuel Eduardo González, Luis Mata, Beto Gutiérrez y Jonathan Lara.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

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Pinturas abstracto - geométricas de Javier Vivas conforman nueva exposición de GBG Arts

Una exposición del artista venezolano Javier Vivas, será inaugurada bajo el título “Pintura concreta” el domingo 10 de septiembre a las 11:30 a.m., en la Galería GBG Arts, con un conjunto de obras de tradición abstracto-geométrica realizadas recientemente por el joven creador, que podrán ser apreciadas hasta el 29 de octubre.

A partir de la valoración de la pintura como medio y su inserción en la postmodernidad, el artista plantea en esta su primera individual, “apropiarse de formas (o estilos) de reconocidos maestros del geometrismo para trastocarlas y redefinirlas en su obra personal”, según afirma la curadora e investigadora de arte Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra.

Para la curadora, las pinturas de Vivas son resultado del diálogo visual que él establece con las obras de Alejandro Otero, Jesús Soto, Max Bill, Blinky Palermo, Sol Lewitt, entre otros, de manera que cada una de las series que integran el proyecto expositivo presenta características diversas, que dependen de la lectura de la obra realizada de los maestros del abstraccionismo que le han servido como referente.

En “Pintura concreta”, el joven creador también se plantea la revisión del concepto de modernidad y su relación con la posmodernidad para la realización de sus pinturas, cuando al profundizar en los procesos creativos de otros artistas, extrae de sus obras los elementos para él necesarios y los lleva a su contexto: el de su contemporaneidad, tal y como lo señala Benko.

“Javier Vivas pasa de la formalidad moderna a una condición posmoderna al representar estructuras en un contexto inestable. Lo logra mediante la reorganización de imágenes y signos que le sirven como referentes, para reinterpretarlos y generar otras nuevas, acordes a su visión. Visto de este modo, sus pinturas se insertan tanto en el espíritu de la modernidad como de la posmodernidad, por lo que tanto sus consideraciones formales como su contenido semántico –o tejido de significaciones– presentes en ellas mantienen igual importancia”.

Nacido en 1991 en Mérida, donde reside actualmente, Javier Vivas ha participado desde 2011 en varias exposiciones colectivas en Mérida y otras ciudades del país tales como Caracas, Ciudad Bolívar, Valencia, Maracaibo, además estuvo presente en el Aruba Art Fair en San Nicolas, Aruba. En 2015 obtuvo importantes reconocimientos, entre los cuales figuran el Primer Premio en la IX Bienal de Artes Visuales de la ULA, en la Galería La Otra Banda; el reconocimiento como Artista Destacado otorgado por el Rector de la Universidad de Los Andes, ambos en Mérida, y la distinción Artista en residencia “Este espacio no es mío”, otorgado por el Salón Nacional Octubre Joven en Valencia, edo. Carabobo. Su obra ha sido reseñada en varias publicaciones internacionales.

La exposición “Pintura concreta” de Javier Vivas podrá ser visitada del 10 de septiembre al 29 de octubre, en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS

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Obras tridimensionales
de Alessandro
Del Vecchio
combinan arte
y arquitectura
en la Galería GSiete

Un conjunto de piezas tridimensionales concebidas a partir del diseño paramétrico, conforman la exposición "Patrones de división", del arquitecto y artista plástico italo-venezolano Alessandro Del Vecchio, que será inaugurada el domingo 3 de septiembre a las 11 a.m. en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones.

Según explica Del Vecchio, el diseño paramétrico es una técnica que permite crear nuevos lenguajes de programación, aplicables a las estrategias de diseño y producción digital para el diseño arquitectónico e industrial, permitiendo crear modelos paramétricos tridimensionales a partir de información geométrica y no geométrica.

Es así como en esta su primera individual, presenta 9 piezas que según sus propias palabras "muestran los efectos de los patrones de división sobre los prismas los cuales generan infinidad de formas y efectos artístico-arquitectónicos que al aplicarlos en sobre posición de tramas o como efecto de operaciones matemáticas básicas (como sustracción, suma, división y multiplicación) aplicadas a un volumen pueden generar distintos tipos de espacialidad".

Concebidas como un proyecto arquitectónico, las obras de Alesaandro hacen gala de una composición que dialoga armoniosamente con cada uno de sus elementos, donde la elección de colores "parte del principio de generar una vista lo más minimalista y pura posible, tomando los blancos y transparencias como métodos para acentuar las sombras; el uso del color negro para acentuar las siluetas y por último el uso del rojo para potenciar las figuras", apunta el artista.

La muestra "Patrones de división", de Alessandro Del Vecchio, podrá ser visitada del 3 de septiembre al 29 de octubre, en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, ubicada en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.


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La mirada de Teresa Casanova detrás
de la palabra se muestra en la Galería D'Museo
de Los Galpones


Un conjunto de piezas gráficas de reciente creación, exhibirá la artista venezolana Teresa Casanova en una exposición titulada "Detrás del olvido", que será inaugurada el domingo 3 de septiembre a las 11 a.m., en la Galería D'Museo del Centro de Arte Los Galpones, como un homenaje póstumo a la periodista y promotora del arte venezolano, Sofía Imber.

Realizadas por Teresa Casanova en el Taller de Artistas Gráficos Asociados - TAGA, las piezas que conforman esta muestra corresponden a la investigación actual de la artista, en la que, según ella misma afirma, "parte de la apariencia que está detrás de las palabras, considerando al grafismo, al signo, como la expresión más importante, intuitiva y verdadera, más reveladora que la palabra".

El signo y la fotografía, elementos utilizados frecuentemente por Casanova en su investigación gráfica desarrollada en paralelo a la pictórica, también están presentes en esta nueva propuesta, que partió del Archivo como metáfora y memoria de hechos en el tiempo, y donde las cartas representan la memoria que regresa del olvido.

En su actual producción creativa Casanova evidencia una nueva forma de mirar lo que está escrito, en la que "surge una nueva mirada más abstracta, prescindiendo del significado. Es más importante el trazo, el signo, la palabra descodificada. No basta con mirar lo escrito sino tratar de ir a lo que está detrás, a lo que está debajo, impulsando lo aparente. En esta deconstrucción, está presente el hecho de que en la naturaleza existe el hábito o la necesidad de adaptarse, presentando una imagen que no es exactamente la propia", señala la artista.

Con más de cinco décadas de trayectoria artística, Teresa Casanova nacida en Caracas, ha mostrado su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales, en museos de Venezuela y otros países como Estados Unidos, Brasil, Francia e Italia, entre otros. Ha ganado importantes distinciones en certámenes nacionales e internacionales, como el Premio Adquisición Bienal Internacional de Grabado Catania (Italia, 1970), y en el Salón Especial en la X Trienal Internacional de Grechen (Suiza, 1985). Su obra está representada en los principales museos de Venezuela, así como también en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (Colombia), el Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos) y los Museos de Catania y Pescia (Italia).

La exposición "Detrás del olvido", de Teresa Casanova, podrá ser visitada del 3 al 24 de septiembre en la Galería D'Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

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Proyecto expositivo
de la venezolana
Annette Turrillo
protagoniza individual
en el Coral Gables Museum

Un reconocimiento a la mujer y sus logros a pesar de los obstáculos que ha enfrentado a lo largo de la historia, es el punto de partida de la nueva propuesta artística de la venezolana Annette Turrillo, que bajo el título "Sublimations" tomará una sala del museo estadounidense Coral Gables Museum, del 1 de septiembre al 19 de noviembre, con una serie de instalaciones a gran formato, cuya puesta en escena dentro del espacio expositivo ejerce una influencia directa sobre la estética.

"El objetivo de estas instalaciones es llevar el concepto plástico más allá de lo bidimensional, en una experiencia sensorial de espacio y de volumen, estableciendo un diálogo entre el consciente e inconsciente, lo espiritual y lo tangible, que permita transportar al espectador a un estado reflexivo", afirma Turrillo.

Es así como a través de un recorrido en diferentes etapas por las diversas instalaciones y sus mensajes, la muestra presenta un enfoque positivo y de proyección hacia un futuro donde el trabajo y la superación continua del género femenino alcance igualdad y pleno reconocimiento, e interpela al espectador incitándolo o motivándolo a tomar unos minutos de reflexión, para llevarlo a una coparticipación de la obra y por ende de la exposición, según explica la artista.

"Con mi propuesta Sublimaciones, Mujeres en la Historia, quiero dar el reconocimiento a todas esas mujeres, que con su valentía, trabajo y empeño, labraron lo que hoy es La Mujer Contemporánea (…) la lucha por el derecho al estudio, al trabajo, al voto, el divorcio, entre otros logros, fueron cambiando el curso, la percepción, el avance y la participación de la mujer en el mundo".

Por su parte, la curadora y crítico de arte Carol Damian, considera que para la exposición "Sublimations" (Sublimaciones), Annette Turrillo "aborda su proceso creativo a través de la lente de la espiritualidad e invita al espectador a participar con sus propios métodos de autorreflexión, inspirados por su arte".

Artista conceptual que utiliza instalaciones y patrones repetitivos para entregar sus mensajes, "Turrillo trabaja con objetos (acumulaciones de zapatos en una de las obras de esta exposición, Patterns and Divergences); Dibujo y pintura, y los efectos técnicos. Aportando un estilo de dibujo matizado a sus pinturas, las imágenes están dominadas por caras monumentales representadas en diferentes formatos y siempre apenas apareciendo desde el fondo, ya que las mujeres también han sido forzadas al fondo, animadas a emerger silenciosamente y sutilmente para hacerse oír", apunta la curadora.

Para Carol Damian, las sublimaciones de Annette exploran la fortaleza interior y la profundidad de espíritu de las mujeres. A su juicio, "cada instalación en la exposición se refiere a un yo interior de la mujer revelado a través de su rostro. Casi holográfico en su aspecto hipnotizante, el rostro es inspirador. Se puede fragmentar, recortar e incluso desaparecer, pero mantiene rasgos reconocibles y su propia presencia inspira reflexión. El espectador está invitado a completar el cuadro, tal vez se imagina como una cara monumental, y aspirar a nuevas alturas de logro y reconocimiento".

Residenciada en Francia desde 1995, Annette Turrillo ha desarrollado una amplia y reconocida trayectoria artística a lo largo de más de dos décadas, durante las cuales ha exhibido su trabajo en diversas ferias internacionales de arte, museos, salas y galerías, en Venezuela, Francia, Estados Unidos, Puerto Rico, Finlandia, Holanda, Perú, Lituania, Rusia, y Turquía, entre otros países.


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El movimiento virtual
en la obra de Corina Höher
protagoniza muestra
en el MACZUL



Con el título “Cuantificable”, será inaugurada una exposición individual de la artista venezolana Corina Höher, el sábado 19 de agosto a las 11:00 a.m. en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, la cual podrá ser visitada por el público hasta el 22 de octubre, con la curaduría y museografía de Cerquone Projects.

Residenciada en Miami (Estados Unidos), Corina Höher presenta por primera vez un proyecto expositivo en nuestro país, con un conjunto de obras de reciente creación, donde investiga el color como fenómeno científico a través de una intensa repetición de arreglos geométricos, con exploraciones que surgen de las teorías del color del artista Carlos Cruz-Diez.

Según el texto de presentación de la artista, “Sus piezas activadas por el espectador resaltan las interacciones entre colores y formas en frecuencias precisas, generando así el movimiento necesario para crear una serie de ondas y transmitir la relación entre el color y su respectiva intensidad, es decir, el color como energía”.

Para Höher, su objetivo es generar eventos inesperados que modifiquen la percepción del espacio-tiempo del espectador. En sus propias palabras, “el planteamiento creativo deviene en una investigación sobre la manifestación del movimiento virtual a través de la forma y el espacio en el tiempo, con la intención de forjar un evento en constante mutación que propicie una concordancia en el diálogo para la concepción del espacio, la forma y las tecnologías que utilizamos para crear experiencias dinámicas”.

Nacida en Caracas en 1987, Corina Höher comenzó sus estudios de diseño gráfico en su ciudad natal, y se graduó con honores de la Universidad de Miami Internacional de Arte y Diseño, con una Licenciatura en Artes Visuales. Desde entonces ha desarrollado una importante trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en diversos espacios de Estados Unidos, España, Francia y México.

En Venezuela el público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de Corina Höher a través de la exposición “Cuantificable”, que se estará presentando del 19 de agosto al 22 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. El horario es de martes a domingo de 10 a.m. a 5 p.m. La entrada es libre.

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Eduardo Azuaje representa su poética
de la muerte
con una exposición
en el MAC



La muerte como consecuencia directa de la violencia en las sociedades contemporáneas, es el eje central de la obra reciente del artista venezolano Eduardo Azuaje, que será exhibida desde el domingo 13 de agosto a las 11 a.m. en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, a través de una exposición titulada Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte.

A partir de la búsqueda de huesos de animales muertos en Pariaguán –su tierra natal– Azuaje realiza una gran instalación, compuesta por registros audiovisuales y un conjunto escultórico de piezas, “que revelan el lado destructivo de la naturaleza humana y sugieren sentimientos violentos de gran intensidad dramática: la pierna se erige en un aparato capaz de aplanar todo a su paso; el brazo extraviado parece tantear un camino más allá del mal; mientras las cabezas nos acusan con sus ‘miradas’, oscuras y profundas, que brotan de las extrañas concavidades oculares”, según afirma el curador Luis Velázquez en el texto que acompaña la muestra.

Hueso a hueso el artista concibe una figura colosal, fragmentada e incompleta, en este proyecto expositivo en el que de acuerdo al curador, Eduardo Azuaje demuestra las habilidades del recolector-coleccionista, pero también las del creador-escultor capaz de transformar un cúmulo de desechos orgánicos en obra de arte. “Construye una anatomía humana, provista de una aparente ‘musculatura desollada’, con un tejido de huesos engranados dentro de un sistema que, aunque internamente puede resultar aleatorio, describe un orden estructural que lo transfigura en una experiencia estética”.

En esta suerte de arqueología artística –como la describe Velázquez– el artista asume una actitud crítica para rechazar la inhumanidad del hombre hacia sus semejantes, e intenta representar el problema de las numerosas muertes, absurdas e inesperadas, producto de una violencia que tiene en el hampa común su vertiente más poderosa.

“Sin cordero de Dios es el resultado de una investigación compleja, inteligente y profunda donde el cuerpo es objeto y referencia del discurso visual, pero al mismo tiempo símbolo de la violencia, de la destrucción, de la muerte. Aquí las imágenes de un sujeto fragmentado, bajo el signo de la osamenta, son una metáfora de la imposibilidad de salvación frente al mal; el memento mori como representación del inevitable final de todas las cosas terrenales”, señala Luis Velázquez.

Nacido en 1968 en Pariaguán, estado Anzoátegui, Eduardo Azuaje ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en más de treinta exposiciones colectivas organizadas por museos y galerías nacionales e internacionales de Venezuela, Estados Unidos, Francia, Brasil, Cuba y España; además de siete exposiciones individuales en Venezuela. Asimismo ha recibido varios premios y reconocimientos entre los que se cuentan: Mención Especial, Salón Municipal de Caracas, Caracas, 1994; Premio Especial Armando Reverón para Artista Joven de la ONU AVAP, Caracas, 1995; Segundo Premio Bienal Internacional de Bolivia (SIART), La Paz (Bolivia), 2001. Entre sus iniciativas personales de gestión y proyección cultural, destaca la creación del Museo de Escultura Contemporánea de Pariaguán (2004).

La exposición Sin cordero de Dios. Aproximación a una poética de la muerte, de Eduardo Azuaje permanecerá abierta al público del 13 de agosto al 29 de octubre, en la Sala 6 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ubicado en avenida Bolívar, Zona Cultural de Parque Central, Nivel Lecuna. El horario es de martes a domingo de 10:00 a.m. a 4:30 p.m. La entrada es libre.

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En La Caja del CCCH
Obras de Jonathan Carvallo Salas
recrean tránsito
entre el mar y la ciudad.

Una suerte de paisaje metafórico y lúdico concebido desde la óptica del transitar y la cotidianidad espacial que transcurre entre el mar y la ciudad, presenta el artista venezolano Jonathan Carvallo Salas en la exposición que, bajo el título "Entre Caracas y La Guaira", será inaugurada el domingo 13 de agosto a las 11:00 a.m. en La Caja del CCCH-Centro Cultural Chacao, donde podrá ser visitada hasta el 17 de septiembre.

"Entre Caracas y La Guaira" representa el anhelo de abandono de la ciudad, la huida al espacio marino y la consecuente necesidad de retorno al espacio urbano. "Es una propuesta que permite, desde la investigación y mis técnicas experimentales, indagar sobre diversos temas a través de las relaciones entre el paisaje natural y el paisaje urbano, permeando de diversos modos, creaciones que articulan relaciones entre la sociedad, la política y la cultura", afirma el artista.

Según explican Pamela Meraz y Rose Marie Aguilar -curadoras de este proyecto expositivo- Carvallo puede medir lo que acontece, entre el extremo de la ironía lúdica y una revisión metafórica de conceptos entre la vida y sus costumbres, valiéndose de una multiplicidad de medios como la fotografía, el ensamblaje, la instalación y el video.

"Dentro de este amplio universo de posibilidades técnicas y plásticas, el artista asume la construcción simbólica del territorio donde se desplazan sus objetos, especialmente los elaborados a partir del foto-tirro, técnica propia y experimental empleada por Carvallo para sumergirse en la investigación de ciertos elementos formales de su obra, sobre todo hacia su efecto lumínico y reflectivo", afirman Meraz y Aguilar en el texto que acompaña la muestra.

Es así como el artista presenta "un recorrido introspectivo por las costas de La Guaira donde contempla con extrema sensibilidad la luminosidad de cada traslado emprendido desde la ciudad hacia el mar y en su retorno del mar a la ciudad, inmerso en un paisaje colmado de múltiples referencias y crónicas visuales en las que indaga con extrema ironía y excelsa creatividad la resignificación del objeto. Una cartografía reinventada de aquello que habita y parece ser desapercibido", escriben las curadoras.

Jonathan Carvallo Salas ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra de manera colectiva e individual en diferentes museos, galerías y centros culturales de Venezuela, Italia y España, además ha representado a Venezuela en varias ediciones del Premio Sulmona. Reseña Internacional de Arte Contemporáneo (Italia). Entre los reconocimientos que ha recibido figuran, el Tercer Premio del Salón Alejandro Otero, Premio Ciudadano Dycvensa del Salón de Artes Visuales Dycvensa, y Mención de Honor en el Salón Juan Lovera.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la más reciente producción creativa de este artista a través de la exposición "Entre Caracas y La Guaira", que se estará exhibiendo del 13 de agosto al 17 de septiembre, en La Caja del CCCH-Centro Cultural Chacao, en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 1:00 a 7:00 p.m., domingos de 11:00 a.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre.


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Fabián Dagor expone
su Leitmotiv en la Alianza Francesa de Chacaíto



Bajo el título “Leitmotiv” será inaugurada una exposición del artista venezolano Fabián Dagor, el próximo lunes 10 de julio a las 5 p.m. en la sede de la Alianza Francesa de Venezuela, en Chacaíto, donde permanecerá abierta al público hasta el 14 de septiembre con un conjunto de obras de reciente creación, en las que el artista, influenciado por la abstracción geométrica, ofrece una nueva visión del graffiti fusionando su trabajo de calle con las técnicas de la pintura tradicional.

En ésta su primera individual, Fabián Dagor muestra su evolución y el carácter particular de sus invenciones y deconstrucciones tipográficas respecto a la abstracción geométrica, “con un enfoque reflexivo y antológico, haciendo extensivo el panorama de un artista particular que viniendo del aprendizaje autodidacta del graffiti tradicional, ha evolucionado para crear una estética abstracta contemporánea fresca y atrevida que nos aproxima al lenguaje del trópico y el caribe; caracterizada por el uso de colores planos vivos y la deconstrucción tipográfica callejera”, según afirma la curadora Carolina Sanz en el texto de presentación.

De acuerdo a la curadora, “sus obras no buscan crear argumentos presuntuosos en torno a la explotada tendencia, sino generar una nueva posibilidad donde su contenido pueda ser interpretado de manera distinta por cada quien, constituyendo una experiencia visual cautivadora que atrapa su visión del mundo para ofrecerla desenfadadamente y sin miramientos”.

Con una trayectoria de casi dos décadas, Dagor ha desarrollado una propuesta artística donde pinturas y ensamblajes se nutren de su investigación topográfica y colorista, alternando geometrías con imágenes figurativas. Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, Inglaterra, Ecuador, y ha recibido varios reconocimientos, entre los cuales se cuentan, el 1st Place Mixed Media Wynwood Juried Show Fall Edition 2016 y 1st Place Mixed Media Wynwood Juried Show Fall Edition 2017, entre otros.

La obra de este artista podrá ser apreciada a través de la exposición individual “Leitmotiv”, que se estará presentando del 10 de julio al 14 de septiembre en la sede de la Alianza Francesa de Venezuela ubicada en Chacaíto, en la avenida 3 de Las Delicias, en horario de lunes a viernes de 9 a.m. a 5 p.m., y sábados de 9 a.m. a 1 p.m. La entrada es libre.

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Alex Siniscalchi lleva su protesta pacífica a través del arte gráfico

El creador de CCSTENCIL se solidariza con Venezuela con mensajes de unión, justicia, fuerza y esperanza. Una de sus muestras se exhibe actualmente en EEUU
Prensa Cresta Metalica

El artista gráfico venezolano Alex Siniscalchi no deja de lamentar la situación de confrontación que vive su país, así como la fuerte crisis que afecta a todos sus coterráneos, por lo que quiso dar su aporte a través de su marca CCSTENCIL, con la cual realizó el diseño de la icónica valla ubicada al final de la avenida principal de Las Mercedes, Caracas, como un reconocimiento y obsequio a toda Venezuela, llevando además un mensaje de fuerza y esperanza. Vale resaltar que CCSTENCIL no cobró honorarios por la obra.

"Una vez más CCSTENCIL nos deja un mensaje gráfico y contundente en una de las vallas más importante de la ciudad de Caracas. En medio de la oscuridad, en una guerra desigual, le dejamos a la capital y a toda Venezuela un reconocimiento más por estos tres meses de protestas continuas. Siempre nos hemos pronunciado de la forma en que lo sabemos hacer. Si hay algo que necesitan las calles de la ciudad son mensajes de paz. Que sea el arte y la cultura siempre el primer y milésimo paso que dé oxígeno a nuestra golpeada sociedad para que avance hacia el desarrollo, sin dejar atrás los valores, la justicia, la paz y el amor por el prójimo", expresó Alex Siniscalchi.

La valla denota en sus colores de splash un lado de tonos azules, del otro lado tonos rojos y en el medio una chica con pose de Libertad, respiro y paz, porque para el artista "Venezuela es una mujer, humilde, soñadora, regia pero noble a la vez, su mente sueña en infinitos colores, idiomas y sabores, ella resiste lo que le tocó vivir, porque sabe que se levantará más fuerte".

Alex Siniscalchi cuenta con una amplia trayectoria como artista gráfico. Comenzó como "Artista Activista" en el año 2004 y cuando apenas tenía 17 años de edad pintaba murales. Dirigió varias obras importantes con el municipio de Chacao, haciendo la consigna utilizada por el ex -alcalde Emilio Graterón: "Paz, Respeto y Tolerancia" uniendo a todos los artistas urbanos de Caracas en un sólo mural. Participó tres veces en el renombrado festival "Por el medio de la calle", así como en grandes campañas como la de ACNUR "Ponte en sus zapatos" de La Organización de las Naciones Unidas.

Actualmente CCSTENCIL está llevando a cabo su segunda exposición en Miami, EEUU, titulada "La Peste de Caracas", conformada por doce cuadros realizados con pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo impreso de 135 x 105cm. Se exhibe en la galería Nomad Tribe ubicada en la zona de Wynwood y estará abierta al público hasta el 8 de julio. "Le coloqué ese nombre a la exposición porque yo le llamo así al presente de mi país, porque la miseria, el hambre y la muerte reinan en el lugar. Esta nueva serie de cuadros representa la desidia, el dolor, la farsa, la descomposición y el deterioro de una sociedad enferma", explicó el artista.

"No es la música, no es el grafiti, no es teatro, no es la literatura, no es la escultura, no es el poema, no es uno, ni el otro, es el arte cómo ente viviente el que comunica todos los mensajes que los artistas queremos gritar, en idiomas cifrados que cada quien interpreta a su manera. No hay manual para entender el arte, pero mágicamente hay obras que nos llegan a todos juntos", añadió el creador de CCSTENCIL quien además ha realizado diseños para organizaciones como Amnistía Internacional, Un Mundo Sin Mordaza y PROVEA.

Sigue a Alex Siniscalchi (Ccstencil) en sus redes sociales:
https://twitter.com/ccstencil
https://www.instagram.com/ccstencil
https://www.facebook.com/ccstencil

Para canalizar entrevistas:
Roberto Palmitesta +58 04129620981
Alejandro Adrián +58 414-1515638 / +58 416-7060220


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DaliaFerreira

Vivo fuera de mi cuerpo, aún en Venezuela. Mezcla de angustia, amarga impotencia, tristeza, temor... pero al mismo tiempo... Esperanza, orgullo indescriptible de ver a mi bravo pueblo jugándose la vida para salir de esta demencial situación.

Nuestros guerreros de luz: los guapos de la resistencia, las mujeres, las abuelitos, el señor del papagayo, los estudiantes, los enfermos, los dirigentes, los presos políticos, las legiones espirituales de otros planos y todos los civiles caídos, que ahora guían nuestros pasos: Un verdadero Ejército de Paz que obra sobre nuestra Venezuela

Dedico esta obra llamada La Marcha a la poderosa Fe con que nos protegen y fortalecen cada Día las Madres en sus oraciones. Amén.

@DaliaFerreira

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Arte y tiempo en 26 visiones llegan al CCBOD

El pasado y el futuro en el presente es el nombre de la muestra que abre sus puertas en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural BOD. Bajo la temática arte y tiempo, 26 reconocidos artistas plásticos nacionales presentan sus propuestas en esta exhibición concebida hace dos años para celebrar el 25 aniversario del Centro Cultural BOD y celebrar, este año, el 450 aniversario de Caracas. El objetivo principal: recocer la labor de 26 creadores, en favor del patrimonio cultural del país

El Centro Cultural BOD abre las puertas de El pasado y el futuro en el presente, un proyecto que surge, en 2015, como parte de las actividades enmarcadas en el 25 aniversario de la institución, y que este año conmemora los 450 años de la fundación de la capital del país.

Se trata de 26 lenguajes y estéticas distintos, unificados, esencialmente, por una misma temática: arte y tiempo. Dicho punto de partida fue el sugerido por el profesor y asesor gerencial Víctor Guédez, miembro del comité organizador de este proyecto que tuvo como curadora a la doctora en historia del arte Bélgica Rodríguez, quien supervisó el diálogo entre esas propuestas dentro de los 650 metros cuadrados de la Sala de Exposiciones del CCBOD. Tres espacios albergan -además de las 26 propuestas- las reflexiones de cada uno de estos creadores en torno a las mismas, registrados por la lente de Ricardo Gómez Pérez y Ricardo Jiménez (ricar2).

26 miradas
Las piezas tridimensionales de El pasado y el futuro en el presente son: las Mujeres inquietas, de Abigaíl Valera, propuesta basada en la figura arquetípica de la mujer que ha caracterizado la obra del artista; Las montañas blancas, del merideño Franco Contreras, pieza inspirada, como es ya usual, en el entorno natural que signó la estética del autor; Prêt-à-porter, parte del "universo molecular" desarrollado por Nela Ochoa; Pectorales en arcos, punto de encuentro entre el cosmos y la naturaleza, de Víctor Hugo Irazábal; In memoriam, una denuncia sobre el peligro ambiental concebida por Ana María Mazzei; 19ee017, de Magdalena Fernández que tuvo como punto de partida los fenómenos naturales y algunos íconos de las artes modernas que han influenciado su trabajo; Kid at Honorem, la búsqueda de Luis Poleo en el expresionismo alemán; Habitando la sabiduría y la tolerancia, el trabajo de Humberto Cazorla signado por lo divino; Catch as Catch Can, las memorias de la lucha libre en la mente de Carlos Zerpa y sus héroes eternos; Chorrerón, de Isabel Cisneros inspirada en una paradoja del filósofo griego Heráclito que reza que "ningún hombre puede cruzar el mismo río dos veces"; los Multiversos XXV, de Sydia Reyes simbolizan la esperanza de convertir lo imposible en posible; y el Salar de Fuego III, es la recreación que hace Samuel Baroni de su andar por las calles del barrio El Amparo.

Entre los trabajos bidimensionales están: Bailando con Theo y Piet, pieza de Hernán Alvarado dedicada a los maestros del Fox-Trot; Sonora 50. Polarísima, de María Elena Álvarez, una alusión al cúmulo de tiempos que representa la obra de arte, tanto para el que la concibe como para quien la percibe; Estructura a color, de Vicente Antonorsi, un reflejo de su imaginario en la geometría de los volúmenes, la escultura y el diseño industrial, lleno de referencias de diversos maestros en esos oficios; Paul Sérusier como pretexto, El Talismán, de Francisco Bugallo, en el que el artista plasma su reinterpretación de una imagen emblemática de la historia del arte empleando la pintura digital como herramienta tecnológica; Continuo Inmanente, de Pedro Fermín, trabajo inspirado en la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco, de Kazimir Malévich, que busca reflejar el valor del intervalo como símbolo de temporalidad entre dos opuestos; Inexorable, de Felipe Herrera, quien hurga en su memoria los recomienzos de la existencia; Sin título, de Luis Lizardo, expresa el espacio de tiempo entre una creación artística y la otra, Espacial en tres tiempos, de Carlos Medina, la representación de los neutrinos, esencia minúscula de la materia; La niña más mala de la playa, de Miguelángel Meza, un viaje a su propio subconsciente que lo sorprende, frente a un mundo real que define como predecible; Flexonometría, de Luis Millé, inspirado en los halcones peregrinos y la libertad del vacío; No todo el mundo vive en el mismo ahora, de Lourdes Peñaranda, obra compuesta por el dominio objetual y el visual, en 60 relojes y 60 imágenes disímiles; La profilaxia del Guaire, de Jorge Pizzani, que el autor presenta como un epítome del silencio para concebir su obra; y Anacoretas y misántropos, de Adrián Pujol, que representa lo que define como la desconexión del tiempo propia de las imágenes en movimiento.

En palabras de Víctor Guédez, la muestra implicó para estos 26 creadores el desafío de revisar lo que son a partir de su obra en el presente, el conflicto de romper o no con su línea de trabajo vista en perspectiva y la aspiración de la evolución de su discurso desde una visión prospectiva.

Coordenadas:
El pasado y el futuro en el presente abre sus puertas en la Sala de Exposiciones, ubicada en el sótano 1 del Centro Cultural BOD. Su horario es de martes a domingo, entre 11:00am y 5:00pm.


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Fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo sigue cosechando premios
La venezolana
fue premiada
por la International Society of Professional Wedding ISPWP

Caracas; 16 de mayo de 2017.- El trabajo de la fotógrafa venezolana Marienna García-Gallo es nuevamente premiado, en esta oportunidad ganó la mejor fotografía en la categoría Bride and Groom Portraits (retratos de novios) en la International Society of Professional Wedding ISPWP (Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda). Además logró el noveno lugar en la categoría "Movement un Motion" (Movimiento sin movimiento), el décimo octavo lugar en la categoría "Bride Portrait" (Retrato de novias).

La Sociedad Internacional de Fotógrafos Profesionales de Boda es una organización que reúne a los mejores fotógrafos de bodas del mundo. Fue creado por los fotógrafos profesionales para elevar los estándares de la profesión de la fotografía de la boda.

Por otra parte, García-Gallo también quedó entre las finalistas al Premio UnionWep 2017 en las categorías "Blanco y negro" y "Sesión de pareja", donde el año pasado fue reconocida como fotógrafa revelación del año UnionWep 2016.

La fotógrafa García Gallo no solo se ha dedicado en la fotografía de bodas, una especialidad que cada año cobra más fuerza y requiere mucho más talento y creatividad de lo que uno podría imaginar, comparte su tiempo con su trabajo artístico personal. En el 2015, fue seleccionada en PHE2015, uno de los festivales de fotografía más importantes del mundo, así como en Slideluck Caracas, y Slideluck Madrid donde ha expuesto sus obras en exposiciones tanto individuales y colectivas.

García-Gallo realizó estudios en el Taller de Fotografía Roberto Mata, en la actualidad vive en Madrid junto a su esposo el director y productor Daniel Ruíz Hueck, donde maneja la exitosa empresa Emotion & Motionque se ha dedicado no solo a hacer bodas en el país donde viven sus integrantes: España y Venezuela, han realizado bodas en Miami, Nueva York, Suiza, Panamá, Dubái, República Dominicana, España y por supuesto Venezuela... este año tienen una apretada agenda en Nueva York, Miami, Paris, Bruselas, Panamá, Barcelona, Madrid y por supuesto Caracas.
Para conocer y ver el trabajo de Marienna García-Gallo puede visitar:

http://www.emotionandmotion.es/
http://www.mariennagarciagallo.com/
https://www.ispwp.com/contests/result/NDI=/ispwp-wedding-photography-contest-results-winter-2017


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Reciente obra de Samuel Baroni llega a Maracay
con muestra ‘Inconcluyente’
en La GAUBA



Luego de 18 años de su última exposición individual, el artista venezolano Samuel Baroni vuelve al ruedo para presentar su reciente propuesta creativa en una muestra titulada “Inconcluyente”, que será inaugurada el miércoles 17 de mayo a las 11 a.m., en la Galería de Arte La GAUBA de la Universidad Bicentenaria de Aragua (UBA), bajo la curaduría de la Directora de Cultura de la UBA Idelisa Rincón y Julia Villasmil.

Considerado como uno de los creadores más prolíferos de nuestro país, Baroni se ha destacado por desarrollar una obra densa, comprometida, diversa y coherente a la vez, que se inscribe en la contemporaneidad a través de su temática o mensaje y sus procesos constructivos, según escribe en el texto de presentación Idelisa Rincón, Directora de Cultura de la UBA y una de las curadoras de la muestra.

“La obra de Baroni se desmarca de los aspectos técnicos del arte tradicional, para indagar de manera atrevida, innovadora, versátil y profundamente honesta en un camino donde se funde la experimentación en el uso de materiales extrapictóricos, con una estética propia muchas veces basadas en la naturaleza y otras tantas en el ser humano y sus relaciones con su entorno
”, señala Rincón.

En esta su nueva exposición, el maestro Samuel Baroni parte de una inquietud que lo acompaña desde sus inicios en las artes, cuando apreció una obra inconclusa de Arturo Michelena y se sintió fascinado por la posibilidad de intervenir esas piezas, y de terminarlas pintándolas, según afirmó en una entrevista realizada por Ana María Zoghbi.

Es así como en esta oportunidad Baroni, además de exhibir piezas de diversos períodos, muestra un conjunto de obras intencionalmente inconclusas, ofreciendo al espectador la posibilidad de participar en la conclusión de las mismas, mediante las experiencias de cada quien.

En un gesto de denuncia, el artista realiza una exposición sobre lo inacabado, lo descarnado, lo desnudo, porque, según sus propias palabras, “el país también está así, destrozado terriblemente, algo nunca visto en la Venezuela contemporánea (…) No quiero ser panfletario, yo no quiero pintar a un policía dándole rolazo a un muchacho. ¡No!. Quiero más bien decirlo de otra manera y esa otra manera es precisamente el drama de lo inacabado”, puntualiza.

Nacido en 1945 en Cúa, estado Miranda, Samuel Baroni posee una amplia trayectoria artística de casi cinco décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Ecuador, y Brasil, además ha realizado ilustraciones para varias publicaciones y escenografías para teatro. Su obra Primera y última carreta (pintura, arena, cemento y fardo acrílico sobre madera, 1987).forma parte de la colección de la GAN.

El público podrá apreciar la obra de este importante exponente de las artes plásticas venezolanas a través de la exposición “Inconcluyente”, que se estará presentando del 17 de mayo al 30 de junio, en la Galería de Arte La GAUBA de la Universidad Bicentenaria de Aragua (UBA), ubicada en la Avenida Universidad, Sector Providencia, Municipio Santiago Mariño, Universidad Bicentenaria de Aragua, Maracay, estado Aragua. El horario es de lunes a viernes de 8:00 am a 12:00 pm y de 1:00 pm hasta las 5:00 p.m. La entrada es libre.

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Patinetas itinerantes llegan al Museo Cruz-Diez
con la muestra 'Trestablas' de Pigmento Criollo

Unas 70 tablas de patinetas intervenidas por artistas y estudiantes de distintas regiones del país, tres murales y una instalación con elementos reciclados urbanos, integran la exposición itinerante "Trestablas", que será inaugurada el sábado 6 de mayo a las 2 p.m. en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, MEDI, donde permanecerá abierta al público durante tres meses.

Con el concepto curatorial del colectivo juvenil Pigmento Criollo, la muestra "Trestablas" abrió su primera edición en abril de 2015 en la sede de la UNEY en Guama, y desde entonces ha recorrido diversos museos en Yaracuy, Lara, Falcón, Mérida y Zulia, donde estudiantes de diseño y artes visuales, artistas consolidados y emergentes se sirven de las técnicas propias de la pintura y el fanzine como elemento esencial en la transformación y embellecimiento de patinetas en desuso.

Ahora se presenta en Caracas, con un montaje enfocado en representar y hacer referencia a la calle, donde elementos urbanos reciclados se conjugan evidenciando rastros de metrópolis.

Pintores, ilustradores, diseñadores y artistas urbanos participan en este proyecto plasmando sus obras sobre la superficie de tablas de patineta, entre ellos Santiago Pol, Marc Flallo, Gregorio Siem, Ricardo Benaim, Ángel Milla, Mariana Sellanes, Andreína Acero, Fausto Amundaraín, Johann Avendaño, Abraham Rosales, y muchos más.

"De las calles a la basura y de ahí a los museos. En un mundo donde los objetos sobran y son descartados sin piedad, Pigmento Criollo asume el diseño sostenible como una alternativa para la creación de un proyecto cultural que vincula el arte, la ocupación de espacios y la transformación. El contexto obsequia los materiales para llenar el mundo de nuevas formas y cambiar la realidad", afirma Oscar Zambrano en el texto que acompaña la muestra.

La exposición itinerante "Trestablas" podrá ser apreciada durante tres meses a partir del 6 de mayo, en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, ubicado en la avenida. Bolívar, entre calle Sur 11 y avenida Este 8, Paseo Vargas, Caracas. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados, domingos y feriados de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre.


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Artistas venezolanos
Toña Vegas y Tony Vázquez-Figueroa
exponen en Nueva York

Los artistas venezolanos Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa se encuentran exhibiendo actualmente en la ciudad de Nueva York (USA), un trabajo en conjunto que bajo el título “Inventory /Takes” ocupa los espacios del centro cultural The Clemente, con sendas propuestas artísticas en torno al concepto de “Inventario”, cada una desde una perspectiva diferente.

En esta muestra, de acuerdo a la curadora Lorena González, los artistas han unido sus investigaciones y “han construido a lo largo de sus procesos creativos una obra comprometida con el establecimiento de diálogos y relecturas que surgen como contrapunto visual frente a las problemáticas de la efervescente materia cotidiana que nos rodea”.

Toña Vegas presenta, según ella misma explica, una propuesta conformada por dos series –Transmigración, obras en mixed media impresas sobre papel, y Ser dignos del olor del pan, obras en óleo y cera sobre tela.

Para Vegas, cada uno de los seres humanos crea un tejido propio, orgánico y sutil, que a su vez se relaciona con el tejido de los otros. “Podría decir que mi propuesta es una de esas formas de ‘precipitación’ de tejido sutil en obra. Considero mi trabajo como una obra poética que conjuga forma y contenido. Es contundente visualmente y a la vez está formado por capas de contenidos (tejidos) que se entrelazan entre espacios móviles generados por la magia del color”.

En la serie Transmigración, construye espacios a través del color y la asociación sensible de las imágenes fotográficas, que provienen de su observación, del contacto con obras de otros artistas, siempre en forma oblicua, y de la mirada atenta de lo que le rodea; mientras que en la serie de óleos Ser dignos del olor del pan, expone su vivencia de la situación actual venezolana en relación a la gran escasez, “no sólo desde el punto de vista de la alimentación física, sino de la dignidad humana esencial que significa la acción de percibir el olor del pan (hecho cultural y espiritual fundacional de lo humano)”, expresa la artista.

“Visualmente, la serie de los óleos se desprende de la serie Transmigración: así como las imágenes fotográficas en esa serie han sido tomadas en forma oblicua, las imágenes de esta serie de óleos son extractos frontales de las anteriores, logrando un macro de zonas significativas, pero siempre interceptadas por una especie de veladura que contiene símbolos del paquete de harina PAN, nuestro pan”.

Por su parte, Tony Vázquez–Figueroa presenta, según explica la curadora Lorena González, una serie titulada Des-abasto, conformada por más de cien objetos hechos de resinas que representan los alimentos y medicinas que escasean en Venezuela, pequeñas esculturas de la memoria selladas por la impronta química, que desaparecerán con la acción del tiempo dentro del espacio expositivo.

Asimismo, exhibe en paralelo un conjunto de doce fotografías que registran la acción performática de los componentes como metáfora viva de lo real. A juicio de la curadora, “en sus otras series la apuesta se extiende hacia la permanencia de estos mismos objetos, encapsulándolos en museográficas cajas de acrílico o consolidándolos a través del trabajo en concreto, gesto escultórico donde ese archivo vital salta de su categoría de deseado objeto de uso a petrificado objeto museable”.

En “Inventory/Takes” Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa “transitan al borde de paradojas que se acentúan gracias a la oscura veta de los últimos acontecimientos vividos en la insondable crisis política, económica, social y humana de la Venezuela reciente. Es así como desde la pintura, la fotografía, la instalación y la escultura, sus líneas de trabajo se engranan en el espacio expositivo, levantando ante al espectador un inventario de cercanías y distancias, tachaduras y reveses, encuentros y desencuentros, olvidos y apariciones de un paradigma social que aún no ha podido encontrar respuestas frente a los vibrantes vacíos de este contradictorio nuevo siglo”, afirma Lorena González.

Esta exposición en la ciudad de Nueva York, que por la calidad y por el número de obras es una individual en tándem, constituye la primera de una serie de exposiciones que paralelamente estará realizando Toña Vegas por las ciudades de Miami y Los Ángeles durante el 2016 y el 2017.

tonyavegasofficial.com
T +1 929208 8844

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