boton
 
 
 
 

 

letanias

letanias-texto

letanias-2

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

LA CERAMICA DE NOEMÍ MÁRQUEZ CONVOCA EN D’MUSEO

noemi-marquez

La notable artista del fuego presenta a partir de este domingo en 30 obras la más reciente etapa de su inagotable creación.

_______________________________________________

Bajo el título de  Luz & FUEGO que dejan Huella en el Tiempo, la ceramista Noemí Márquez presenta el fruto de su más reciente obra, producto de su inagotable creación e intensa relación con los elementos fundacionales, tierra, aire, agua y fuego, y que se expresan en una apretada selección de cerca de 30 piezas de diversos formatos y materiales para celebrar cuatro décadas en el arte.

La galería D’Museo ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, con la curaduría de José Francisco Cantón y la museografía de Alberto Asprino y el mismo Cantón, ofrece a partir de este domingo 19 de noviembre a las 11 a.m., a la par que piezas clave de Noemí Márquez, un valioso testimonio de su trayectoria basado en el trabajo de los experimentados fotógrafos Luís Lares, Manuel Pérez “Tucán”, Antolín Sánchez, Carlos Germán Rojas, Edgar Moreno, Laura Márquez y María Isabel Morillo, quienes durante años han ejercido un intenso acompañamiento de la artista en el taller y en sus proyectos expositivos que les ha permitido captar momentos estelares de su ruta creativa.

Una ocasión que siempre propició la artista de hacerse acompañar por quienes le han brindado su luz: “La fotografía nos regala la realidad de un instante, un paisaje, un retrato, una escultura, un pueblo, una ciudad, un mundo, un presente, un pasado y un futuro para recordar”, dice Noemí Márquez próxima a cumplir 84 fértiles años de celebración de una fiesta interminable. La que ocurre de la maravillosa conjunción del trato con el barro, la cocción, el pacto con el fuego y sus purificadoras temperaturas, el encuentro de las formas que surgen de la arcilla, la porcelana, el barro y la arena una vez que los temas/personajes ya están en la mente y el taller a la espera de su ejecución, hijas naturales del encendido trópico que las inspira.

Entendemos la obra de Noemí –dice José Francisco Cantón- como consecuencia de su compromiso creador, piezas de formas fantásticas y expresiones que vinculan el elemento vegetal con lo iconográfico. Obras saturadas de contenido simbólico y de un espacio violentamente palpable, signadas por la búsqueda de una dimensión que se corresponde con el tiempo que la artista vive. Así es su verdadera temática.   

El público verá y admirará piezas de hasta tres metros de altura, algo normal para quien como Noemí Márquez ha lidiado con grandes volúmenes en espacios retadores, aunque también estarán piezas de mediano formato propiciando un equilibrio en sala. Una producción cimentada en la elaboración de un discurso sólido al que arribó una vez superada su etapa inicial utilitaria como paso previo al lenguaje acendrado actual.

Cantón señala que “Ninguna de las piezas de la ceramista es completamente lisa: tienen signos como flechas, espirales y cruces”. Aunque pueden asociarse con la simbología indígena, para la autora no son más que marcas para vestir la obra, pues su intención es darle personalidad a cada una para que se diferencie de las otras. Sin embargo, en conjunto las personas pueden reconocer que provienen de las mismas manos, las de Noemí Márquez.

Noemí Márquez tiene una profunda formación artística. Realizó estudios de cerámica y arte puro, modalidad cerámica, en la Escuela Cristóbal Rojas (1969-1975) con Sergio González y Reina Herrera. En 1978 tomó cursos de cerámica avanzada en Skidmore College (Saratoga Springs, Nueva York) y en la Penland School of Crafts (Spruce Line, Carolina del Norte). Inicialmente produjo piezas con formas fantásticas y expresiones que vinculaban el elemento animal con lo vegetal; luego trabajó con piezas espaciales, especies de robots y platillos voladores.

Participó entre 1981 y 1993 en diversos seminarios con destacados ceramistas internacionales, entre ellos Warren Mackenzie, quien cambió su concepto de la cerámica utilitaria, y Tom Suomalainen, quien la induce a la cerámica escultórica.. Es miembro fundador de la AVAF, que preside entre 1982 y 1984.

Ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas el Salón Nacional de las Artes del Fuego, "View Points in Venezuela Ceramics" (Meeting Point Art Center, Miami, Florida, Estados Unidos, 1981), la I y II Trienal Mundial de Pequeña Cerámica (Zagreb, 1984 y 1987), "Venezuelan Studio Ceramics" (British Craft Centre, Londres, 1985), la II Exhibición de Cerámica Internacional (Museo de Bellas Artes, Taipei, Taiwan, 1985) y la Foire Internationale d'Art Latinoamericain (Bruselas, 1994). En 1995, en el marco de la muestra "Diez presencias de las artes del fuego en Venezuela" (GAN), interviene el área de la pileta con una serie de piezas de gran contundencia visual. En 1998 recibió el Premio Nacional de Artes del Fuego.

La exposición LUZ & FUEGO que dejan Huella en el Tiempo de Noemí Márquez se estará presentando desde el 19 de noviembre hasta finales de febrero de 2018, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

noemi-marquez-2

noemi-marquez-3

noemi-marquez-4

noemi-marquez-5

noemi-maquez-6

noemi-marquez-6

noemi-marquez-7

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

El Arte Abstracto estrena nuevos espacios de GBG Arts
con las propuestas de 16 artistas

La galería GBG Arts amplía sus espacios expositivos para expandir su visión en las artes visuales con tres nuevas salas, las cuales darán apertura el sábado 18 de noviembre a las 11:00 a.m., a una muestra fundamental de 16 artistas cuyas propuestas parten o se dejan influir  por el lenguaje de la abstracción.

“Abstracción: Atracción” es el título de esta exposición en la que se podrán ver las perspectivas disímiles y heterogéneas de artistas como Elizabeth Cemborain, Javier Vivas, Piers Veness, José Antonio Fernández, Jorge Cabieses, Carlos Medina, José Gabriel Fernández, Harry Abend, Rafael Barrios, Alejandro Vega Beuvrin, Alberto Cavalieri, Spidertag, Sandro Pekeno, Patricia Van Dalen, Bernadette Despujols, y Efraín Ugueto.

“Se trata de ver arte abstracto en el contexto de la contemporaneidad. Atracción para el artista de llevarlo a cabo a más de cien años desde su consolidación en la historia del arte moderno; atracción para el que mira y aprecia su pertinencia a más de un siglo de tradición”, afirma la curadora e investigadora de arte Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra. 

Las acepciones abstractas son múltiples, según explica Benko. Artistas enfocados en la pureza de las formas, centrados en la geometría, en la relación figura-fondo, en el color, y en el equilibrio o inestabilidad de los elementos expresivos.

En tal sentido, Elizabeth Cemborain parte de imágenes de la realidad urbana y las reduce a elementos cromáticos mínimos, mientras que en las pinturas de Javier Vivas y Piers Veness está la imagen protagónica, gráfica y concisa. José Antonio Fernández parte de la figura pentagonal y la reduce en segmentos mínimos, Jorge Cabieses busca intencionalmente despojar de significado a sus figuras geométricas, Carlos Medina realiza reducción y síntesis extrema en sus relieves, y José Gabriel Fernández hace lo mismo en sus collages.

De las piezas tridimensionales presentes en la muestra, la curadora señala que en su mayoría se sustentan en la geometría y en la composición, como es el caso de Harry Abend, quien trabaja formas geométricas básicas para organizar de manera sistemática sus relieves, Rafael Barrios genera ilusiones ópticas a partir de los cambios tonales en el color aplicado en la lámina de aluminio que conforma su escultura, Alejandro Vega Beuvrin utiliza la intersección de planos en el espacio como fundamento de las piezas ensambladas, Alberto Cavalieri crea signos mediante la fragua, fundición y soldadura del metal, y Spidertag realiza composiciones geométricas de luz teniendo al espacio como escenario.

Por otro lado, Susana Benko se refiere a los creadores que “se abstraen o se inventan ‘realidades plásticas’ a partir de la reducción y la exactitud racional de la geometría”. A su juicio, Sandro Pekeno se acerca a la abstracción desde la materia y asume la escultura como volumen y masa, mientras que, volviendo al plano bidimensional, “la expresión espontánea, libre, la vemos en la serie de franjas que traza Patricia Van Dalen, gestos con los que explora tanto escalas tonales como matices de color. Bernardette Despujols, por otra parte, parece llevar a la tela la impronta de lo orgánicamente femenino mediante una expresión voluptuosamente informal. Efraín Uguetodemuestra que la atracción no sólo atañe a las formas puras. La crea por medio de la relación disímil e irónica entre los elementos que componen sus piezas...”

El público podrá apreciar las diferentes propuestas de estos artistas a través de la exposición “Abstracción: Atracción”, que se estará presentando del 18 de noviembre al  , en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre. 

Para mayor información visitar la página web www.gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS

gbg-alejandrovega

Alejandro Vega.

gbg-bernadettedespujols

Bernadette Despujols.

gbg-bernadettedespujols-2

Bernadette Despujols.

gbg-cabieses

Cabieses.

gbg-carlosmedina

Carlos Medina.

gbg-cavalieri

Cavalieri.

gbg-efrainugueto

Efrain Ugueto.

gbg-efrainugueto-2

Efrain Ugueto.

gbg-elizabethcemborain

Elizabeth Cemborain.

gbg-harryabend

Harry Abend.

gbg-javiervivas

Javier Vivas.

gbg-joseantoniofernandez

José Antonio Fernández.

gbg-joseantoniofernandez-2

José Antonio Fernández.

gbg-josegabrielfernandez

José Gabriel Fernández.

gbg-patriciavandalen

Patricia Vandalen.

gbg-piersveness

Piers Veness.

gbg-rafaelbarrios

Rafael Barrios.

gbg-sandropekeno

Sandro Pekeno.

gbg-spidertag

Spidertag.

gbg-spidertag-2

Spidertag.

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Nueve artistas muestran lo más fresco de su creación
en el primer aniversario
de Cerquone Projects

fresco-colectiva

Las más recientes obras de nueve artistas emergentes con líneas de trabajo totalmente heterogéneas, integran la exposición “Fresco”, que inaugurará Cerquone Projects el viernes 17 de noviembre a las 4 p.m. en su sede ubicada en La Castellana, para celebrar el primer aniversario de hacer de su espacio una vitrina para el arte contemporáneo, en especial de las nuevas generaciones.

Los hermanos Paul y Fausto Amundarain, Juan Gerstl, Bernardette Despujols, Corina Höher, Jonathan Lara, Luigi Rodríguez, Daniel Van Der Noon y Javier Vivas, presentan en esta muestra piezas nuevas de su producción, que nunca han sido expuestas en Caracas y que vienen a conformar una exposición inédita en la cual, de acuerdo a la curadora e investigadora de arte Susana Benko, el término “fresco” se refiere no sólo a la presentación de lo nuevo, sino también a una frescura perceptiva ante lo diverso.

En esa diversidad, según explica Benko en el texto que acompaña la muestra, el geometrismo tiene buena representación en la obra de Javier Vivas, cuya geometría “se sustenta en formas puras, en las relaciones que establece entre éstas según su peso, balance o contraste de color, o con el no color”; mientras que Corina Höher y Juan Gerstl “son los artistas abstractos cinéticos del grupo. A ambos les interesa el trabajo con la luz, la transparencia y el color”, afirma Benko.

Jonathan Lara y Paul Amundarain utilizan técnicas de impresión bajo distintas ópticas, Jonathan se vale de la serigrafía sobre tela como medio, y Paul Amundarain trabaja la tela con medios mixtos, como pintura, fotografía e impresión digital con tinta UV.

Fausto Amundarain emplea el collage para tratar, “por un lado, el entorno urbano visto a través del rasgado de papeles impresos que recurrentemente se pegan en las vallas publicitarias de la ciudad; por el otro, remembranzas de su pasado personal, a través de ‘citas’ gestuales y expresivas de grafismos extraídos de sus propios dibujos infantiles”, continúa la curadora.

Por su parte, Luigi Rodríguez muestra para esta ocasión tres páginas intervenidas del libro de fotografías de Daniel Angeli y Jean-Paul Dousset titulado Private Pictures, un obsequio familiar; Daniel Van Der Noon, utiliza marcadores, creyones y un pincel para dejar asentadas algunas reflexiones, conceptos (palabras), fragmentos de paisajes, distribuidos de manera dispersa sobre el área del papel; y Bernardette Despujols asume la condición social, histórica e incluso orgánica de la mujer en cualquiera de los medios que trabaja: la escultura, la pintura, la instalación, entre otras.

“En todos estos artistas, cabe decir, está el deseo de materializar sus ideas en sus obras. De allí la variedad de tendencias y motivos, según sus intereses y procesos creativos. Se trata de una doble y necesaria condición: la de integrar forma y contenido, modo como sus creaciones quedan justificadas dentro de los parámetros de la contemporaneidad”, concluye Susana Benko.

El público podrá apreciar la obra de estos nueve creadores a través de la exposición “Fresco”, que se estará presentando desde el 17 de noviembre hasta finales de enero de 2018, en los espacios de Cerquone Projects, ubicados en la avenida San Felipe de La Castellana, quinta 117, Caracas. Para visitar la muestra se debe concertar cita previamente a través de los teléfonos 0414-2932063 / 0414-1560932. La entrada es libre.

fresco-colectiva-2

fresco-colectiva-3

fresco-colectiva-4

fresco-colectiva-5

fresco-colectiva-6

fresco-colectiva-7

fresco-colectiva-8

fresco-colectiva-9

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

En la Galería Espacio 5 de Valencia.

Ramsés Larzábal muestra su universo íntimo en su próxima exposición individual

intensamente-ramses

Una gran instalación con fragmentos que representan el espacio vivencial del artista Ramsés Larzábal constituye la exposición “INTENSA MENTE”, que será inaugurada este sábado 11 de noviembre a las 11 a.m. en la Galería Espacio 5 de Valencia, en el estado Carabobo, donde permanecerá en exhibición hasta enero de 2018.

Residenciado desde 1980 en Venezuela, donde ha desarrollado una importante trayectoria artística nacional e internacional, Ramsés Larzábal presenta en esta ocasión una metáfora de su “taller-casa” –como él mismo lo define– traído al territorio museable de una galería de arte, según se afirma en el texto de presentación de Vanessa Valdés, directora ejecutiva de arte de Espacio 5.

“INTENSA MENTE, es entrar al espacio íntimo de Larzábal, cada fragmento representa elementos que conviven a diario con el artista: cartas, notas, sus primeros lentes, etiquetas de ropa, blíster o contenedores, entre otros; y una selección cuidadosa de objetos compartidos con su madre: prendas de vestir, faldas, sus tejidos inconclusos, bolsas de hilos, cojines, almohadas, afiches, que en el anecdotario de Ramsés están relacionados con historias reales, vividas con intensidad”.

Para Valdés, más allá de mostrar una suerte de inventario de cosas que posee en su “taller-casa”, el artista transforma los elementos cotidianos en obra, elementos que en el proceso de deconstrucción, en sí mismos, sin añadir elementos ajenos, adquieren una nueva lectura, un nuevo carácter semántico. “Como resultado, una obra, en esencia, impregnada de vivencias; y en forma, en el lenguaje plástico, un Larzábal contundente en abstracción geométrica”.

En un acompañamiento curatorial junto al investigador en artes visuales Alberto Asprino, se detalla en una extensa entrevista al artista las razones y circunstancias que lo llevan a trabajar en parte de su discurso plástico con materiales no convencionales.

“Desde mi vida-casa-taller , he armado todo ese espacio con materiales que voy recogiendo por ahí, mis lámparas, sillas, mesas, escritorio, cama, escaparate, muebles, prendas, ropas etc. Quizás esto venga de la infancia ya que en las condiciones donde nací había que inventarse con poco, hoy no persisten las mismas circunstancias y sin embargo soy un obsesionado de estar haciendo cosas todo el tiempo y como todo el tiempo lo que hago está relacionado con quien soy y con quien decidí ser en la vida, entonces el ejercicio es hasta caer agotado. El alimento de ese ejercicio es la vivencia, entonces estoy, como quien dice, bien alimentado”, expresa el artista.

Dentro de la instalación también se incluye una selección de poemas, “Larzábal ha denominado poemas parásitos: es su manera particular de co-habitar con la literatura y sus escritores. Una simbiosis de imágenes que dan paso a nuevas asociaciones o metáforas”.

Ramsés Larzábal ha participado en diversas muestras en Venezuela y otros países como Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Estados Unidos, Italia, República Dominicana, Rumania, Suiza; y ha ganado múltiples premios como los Salones de Artes Visuales Arturo Michelena, Salón Artes del Fuego, y la Bienal Salón Nacional de Dibujo y Estampa, entre otros. Asimismo, está representado en diferentes colecciones privadas  y en museos, a nivel nacional e internacional.

El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este artista a través de la muestra “INTENSA MENTE”, que se estará presentando desde el 11 de noviembre de 2017 hasta enero de 2018, en la Galería Espacio 5, ubicada en la casa No. 141-10 de la avenida Carabobo con cruce de la calle La Ceiba, urbanización La Viña, en Valencia, estado Carabobo. El horario es de martes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

intensamente-ramses-2

intensamente-ramses-7

intensamente-ramses-3

intensamente-ramses-4

intensamente-ramses-5

intensamente-ramses-6

intensamente-ramses-8

intensamente-ramses-9

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

CLEMENCIA LABIN EXHIBE
SU UNIVERSO ARTÍSTICO
EN BEATRIZ GIL GALERÍA

clemencia-labin

La propuesta creativa de la artista venezolana Clemencia Labin tomará las dos salas de Beatriz Gil Galería, con una exposición titulada “Bizarra”, que será inaugurada el próximo domingo 12 de noviembre a las 11 a.m. y permanecerá en exhibición hasta febrero de 2018.

Un conjunto de piezas de reciente producción, que dan cuenta de las claves esenciales de la obra de Labin a lo largo de su extensa trayectoria, conforman esta individual que a su vez se presenta “como una suerte de recapitulación, un (re)cuento a partir de un puntual inventario de obras tempranas que ejercen como epílogo a su trabajo”, según afirma la curadora e investigadora de arte Ruth Auerbach, en el texto que acompaña la muestra.

Para la curadora, la obra de Clemencia Labin reelabora sueños infantiles, remembranzas familiares, costumbres y tradiciones religiosas con cierta ironía y sentido del humor;  y se construye sobre la práctica de una persistente exploración visual orientada a descubrir posibilidades inéditas de creación, para desafiar un campo expandido de la pintura que abarca la estructura del objeto escultórico, la instalación, el performance y los cuadros vivos como estrategias de representación.

“En los albores de su práctica artística, Labin se interesa en redimensionar las claves del expresionismo abstracto y las del Pop Art norteamericanos, al tiempo que recurre al vigoroso cromatismo de las diferentes corrientes expresionistas alemanas (…) Es a partir del nuevo milenio cuando se emancipa de los rígidos límites del marco para configurar un inusitado universo de pinturas y volúmenes autónomos o agrupados en constelaciones independientes”.

Su propuesta se consolida mediante el uso de materiales extra pictóricos como telas, tejidos, hilos y texturas artificiales que desde entonces operan como sustitutos de la pintura, desarrollando entre 2001 y 2016 su más amplio y ecléctico cuerpo de trabajo realizado hasta la actualidad, Pulpa chic, redefiniendo «la tercera dimensión de la pintura», tal y como expresa Auerbach.

“Objetos, esculturas y cuadros se despliegan en una serie de piezas mórbidas y esponjosas, superficies acolchadas y tapizadas con retazos de las más insólitas y extravagantes materias, texturas y tejidos flexibles, de gran plasticidad y ornamento (…) Estructuras híbridas, alzadas, suspendidas o en reposo –columnas, piñatas, truncas, tocados y vestiduras– representan una alegoría suculenta, pulposa y voluptuosa que opera no solo en su capacidad de renovación creativa sino también dialoga en resonancia con la interpretación visual de su universo”.

En “Bizarra”, la primera exposición de Clemencia Labin en Beatriz Gil Galería, la artista exhibe sus pinturas e instalaciones escultóricas en una intervención consciente y libérrima a la vez, según palabras de la curadora.

“Ciertamente, la reapropiación de la feminidad como argumento temático y el tratamiento del color como herramienta y estrategia formal subrayan dos aspectos o premisas fundamentales para abordar la particularidad que se desprende de estos trabajos. En ellos, no se cuestiona el rol de «lo femenino» entendido como discurso crítico y esencialista sobre el género en términos de dicotomía.

Al reconciliar las estrategias formales del discurso pictórico, lo femenino en su obra se relaciona entonces con las geografías y con los tiempos; la identidad, la otredad y la diferencia; el subconsciente, el cuerpo, la iconografía, la historia del arte y la estética de la cultura. Asimismo, el color se centra como el elemento formal más destacado en toda su propuesta. Labin construye las formas con el color y partir de sus cualidades expresivas experimenta las representaciones abstractas y orgánicas por igual, expandiendo a su paso innovadoras y desafiantes experiencias sensoriales…”.

Nacida en Maracaibo y formada en Alemania, la artista Clemencia Labin posee cerca de tres décadas de trayectoria artística, durante la cual estudió en la HfbK, Academia de Arte de Hamburgo, con profesores de la talla de Kai Sudeck, Franz E. Walther y Sigmar Polke. Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de Venezuela, Alemania, Puerto Rico, Estados Unidos, Costa Rica, Suiza, Bélgica, Canadá, Francia, España, Brasil, Colombia y Holanda, entre otros países; y su obra forma parte de las colecciones del Museo Alejandro Otero, Galería de Arte Nacional, Banco Mercantil, Patricia Phelps de Cisneros y Museo de Arte de Valencia; y en el exterior, del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España), Warehouse, Martin Margulies Collection (Estados Unidos) y Colección Javier y Ofelia Núñez González (España).

El público tendrá la oportunidad de apreciar el trabajo de esta artista a través de la exposición “Bizarra”, que se estará presentando del 12 de noviembre del presente año hasta febrero de 2018, en Beatriz Gil Galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco, Las Mercedes, Caracas. El horario es de lunes a viernes de 10 a.m. a 7 p.m., sábados de 10 a.m. a 4 p.m., y domingos de 11 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser consultada a través de la página www.beatrizgilgaleria.com o a través de Facebook: Beatriz Gil Galeria Twitter: @beatrizgilgal   Instagram: @beatrizgilgaleria  y  Youtube: Beatriz Gil Galeria

clemencia-labin-2

clemencia-labin-3

clemencia-labin-4

clemencia-labin-5

clemencia-labin-6

clemencia-labin-7

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

UNA OFRENDA ESCULTÓRICA
PARA LAS VICTIMAS​

El artista venezolano Antonio García Rico protesta con su obra escultórica Ofrenda, la cual consistió en una instalación en homenaje a los venezolanos fallecidos en las protestas contra el gobierno, y que fue emplazada en la plazoleta ubicada en la avenida principal de Las Mercedes, frente al Concejo Municipal de Baruta.

Instalada desde ayer domingo, Ofrenda  forma parte de su trabajo artístico que parte de la alquimia, un desarrollo conceptual sobre los cambios y las transformaciones de la materia. La pieza es el resultado de un trabajo de investigación de 3 años, exhibido en el Museo Alejandro Otero a principios de año, la cual se ejecutó con materia prima sobrante de una obra pública: Los postes de luz del puente República, frente al palacio de Miraflores.

Tres módulos compuestos por  tubos de hierro oxidado, cuya dimensión abarca 1.90 mts x 2.60 mts. x 2.30 mts conforman 3 erizos checos, que guardan semejanza con el monumento inaugurado el 6 de diciembre de 1966 para conmemorar el 25º aniversario de la victoria en Moscú contra los invasores alemanes.

Para el artista Antonio García Rico, la obra es un símbolo de protesta, una toma del espacio público, y está allí “en honor a todas las victimas de muerte durante las protestas realizadas en nuestro país. Algo duro y difícil de recordar, pero que tiene que estar presente, que no se debe olvidar”, expresa el artista. Es su primera obra ubicada en espacios urbanos, aunque actualmente está invitado a realizar una escultura por la paz de Colombia para ser colocada en los jardines de su parlamento.

Diseñador Industrial y artista visual Antonio García Rico ha desarrollado una trayectoria desde  el año 2012, cuando participó en la exposición colectiva NOMATERIA, en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez en Caracas. Entre el  2014 y el 2016 participo en el Salón Arturo Michelena, en las subastas de Fundana  y en dos muestras en las Galerías Parenthesis y GraphicArt.  Su obra ha estado ´presente en las Ferias de Art Lima, Perú, y en Barcú, Colombia, en varias ediciones .A comienzos de este año realizó su primera individual  Procesos / objetuales, en el Museo de Artes Visuales Alejandro Otero. Y más recientemente en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, MAC en la muestra: El principio del vacío.

Antonio José García Rico.
Diseñador Industrial / Artista Visual.

Telf. Oficina Venezuela: (58-212) 7632126 - 3168135

Telf. Celular Venezuela: (58-426) 5187770
Telf. Directo / Bogotá-Colombia: (57-1) 508755
skype: garantonio2
e-mail: garantonio@gmail.com

Dirección oficina Venezuela: Final calle El Recreo, Edif. Farallón, piso 11, Ofic. 113, Sabana Grande, Caracas.

antonio-gracia-rico

antonio-gracia-rico

antonio-gracia-rico-3

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Dibujos de Eddymir Briceño Venegas evocan recuerdos no vividos en ABRA de Los Galpones

intimo-edymir

Este domingo 5 de noviembre a las 11 a.m., la galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones inaugurará una exposición titulada “Íntimo”, de la artista venezolana Eddymir Briceño Venegas, la cual podrá ser visitada hasta el 3 de diciembre.

La muestra reúne un conjunto de 65 dibujos realizados a partir de viejas fotografías de la familia tomadas por Pablo Venegas, abuelo de la artista, quien en un esfuerzo por conectarse con memorias de un pasado no vivido que resuena sensiblemente en el frágil trazo de su línea –según ella misma afirma– recrea momentos cotidianos, celebraciones y encuentros en un ejercicio de apropiación del recuerdo. Este proyecto se inició en el año 2005 en ProDiseño Escuela de Comunicación Visual y Diseño, en la cátedra de Dibujo 8 bajo la tutoría de Efrén Rojas. 

Para la autora del texto de sala, Rebeca Pérez­-Gerónimo, “la presencia física del recuerdo son entonces estos dibujos, que a su vez subtitulan la estampa contundente de la fotografía”. A su juicio, la línea se convierte en una evocación que lucha contra el hurto del tiempo y la pérdida de la memoria, adquiere una forma y se materializa.

“Es así como entonces el dibujo se enfrenta ante el permanente deshacer del tiempo para rehacer una memoria. De esta huella, lo que parece ser una aglutinación, es en verdad una semilla que se guarda para luego poder sobrevivir, a través de los recuerdos. Esos que se tuercen en ese vaivén de la memoria y dan vuelta también sobre el papel”, escribe Rebeca Pérez-Gerónimo.

Eddymir Briceño Venegas (Caracas, 1982) es diseñadora gráfica egresada con mención honorífica de la Escuela de Comunicación Visual Prodiseño (Venezuela), y ha desarrollado una importante carrera en el área del diseño y de la ilustración. Desde el 2013 funda y dirige junto al diseñador Yonel Hernández el estudio de diseño gráfico e ilustración Inés&Bernardo, y en 2014 funda junto a Virginia Riquelme, Isabella Saturno y Yonel Hernández, el Sello Editorial independiente Barco de Piedra. Como diseñadora ha trabajado en el Museo de Bellas Artes de Caracas, MBA, con la asesoría de Carlos Rodríguez; y en el taller de diseño Visión Alternativa C.A., VACA, (2008—2011), bajo la dirección de Gabriela Fontanillas y Álvaro Sotillo; entre otras instituciones; y en el área de ilustración ha colaborado con diversas revistas del país.

El público podrá apreciar el trabajo de esta artista a través de la exposición “Íntimo”, que ese estará presentando del 5 de noviembre al 3 de diciembre,  en la Galería ABRA del Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

Mayor información a través de @abracaracas en twitter e instagram  y www.facebook.com/abracaracas por facebook

intimo-edymir-2

intimo-edymir-3

intimo-edymir-4

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Sala TAC en Trasnocho Cultural inaugura “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen

Para Thea Segall “la fotografía es una manera de expresar lo que uno ha visto.

El domingo 29 de octubre, a las 11:00 am la Sala TAC / Trasnocho Arte Contacto del Trasnocho Cultural presentará la exposición fotográfica “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen”. La muestra, bajo la curaduría de Yuri Liscano y con el apoyo de la Colección C&FE Caracas, la Fundación Bigott y el Archivo Fotografía Urbana, reúne una selección de fotografías, libros y documentos de Thea Segall.

Nacida Burdujeni, Rumania, en 1929 y residenciada en Venezuela desde 1958 hasta su fallecimiento en 2009, Thea Segall realizó un trabajo fotográfico imprescindible, abarcando aspectos tan diversos como el registro etnográfico, la cultura rural, la arquitectura religiosa, el retrato y la fotografía institucional, además de ser editora de numerosas publicaciones y de llevar su propio estudio fotográfico. Sus emblemáticas fotosecuencias del modo de vida de las etnias originarias marcan una óptica renovadora y sistemática, labor que le mereció importantes reconocimientos nacionales e internacionales.

“Esta muestra –señala el curador– es el resultado de una aproximación a la trayectoria de Thea Segall: fotógrafa incansable, investigadora, editora y, sobre todo, una comprometida creadora. Ella, por más de 50 años de labor sistemática e ininterrumpida, constituyó un importante archivo de imágenes, publicaciones y documentos que se convierten en testimonio patrimonial de su dedicación (…)”. El acceso a ese valioso legado ha sido posible gracias al apoyo y la complicidad de su sobrina Iris Segall, quien ha estado a cargo de su cuidado desde el fallecimiento de la autora.  

Según indica Liscano: “Su vida y obra estuvieron signadas por dos viajes, dos seductores encuentros. El primero a Caracas en 1958, en el que quedó encantada con la magia de la luz. El segundo, y definitivo, lo concretó en 1959, cuando fue a San Juan de Manapiare, en el estado Amazonas. Un recorrido  con el que quedó  enamorada del gentilicio de los pueblos originarios y de la geografía venezolana. Imbuida en este imponente paisaje natural y humano, decidió  instalarse en el país para desarrollar su producción, convirtiéndose en uno de los iconos emblemáticos de la fotografía nacional”.

La exposición “Thea Segall. Tiempo, memoria e imagen”, se complementa con un catálogo diseñado por Pedro Quintero (también encargado de la museografía)  donde se recoge un texto analítico y una exhaustiva cronología de la actividad fotográfica  y editorial de la autora, así como imágenes de varias de sus fotosecuencias y documentos relacionados con su trayectoria profesional. 

La exhibición estará abierta al público en la Sala TAC / Trasnocho Arte Contacto hasta el 28 de enero de 2018.  En ese marco se llevarán a cabo visitas guiadas, así como varios foros para reflexionar sobre la trayectoria y vigencia de la autora con la participación de fotógrafos, investigadores y diseñadores gráficos.  

Horarios de la Sala TAC
Miércoles a sábado: 10:00 a.m. a 9:00 p.m.
Domingo, martes y feriados: 1:00 p.m. a 9:00 p.m.

C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 9932957
salatac@trasnochocultural.com
www.trasnochocultural.com
Twitter: @salatac1  
FB: Trasnocho Arte Contacto
Instagram: salatac1

Thea Segall Rubin (Burdugeni, Rumania, 1929 - Caracas, 2009). Fotógrafa y editora. Fue reportera gráfica de la Agencia Internacional de Noticias AgerPress en Bucarest de 1948 a 1957. Se establece en Venezuela en 1958. Crea el Estudio Fotográfico Thea donde realiza retratos (1959-1994). De 1964 a 1970 trabaja en el departamento de antropología del IVIC como fotógrafa. De 1970 a 1977 comienza a investigar sobre la cultura indígena  y rural venezolana. Fotografió las minas de sal de Araya (1977), así como la actividad minera e hidroeléctrica de Guayana. Su trabajo como editora de libros  fue reconocido con  la Mención de Honor y la Medalla de Bronce, en la Feria Internacional del Libro, Leipzig, Alemania, en 1982 y 1989, respectivamente. En 2004 se le otorga el Premio Nacional de Fotografía correspondiente al 2002-2003.

Entre sus principales publicaciones como autora y editora se encuentran: Con la luz de Venezuela (1978), Los niños de aquí (1979), El casabe (1979), Guayana por Thea Segall (1980), Un río hacia el futuro (1981), Raíces de Venezuela (1984), Fotosecuencias: Casabe. Curiara. Tambor (1988), Pescadores de Paraguaná (1988), Parques de Caracas (1989), El camino de los arrieros (1992) y Café (1992).

Entre sus exposiciones individuales destacan: “Thea Segall / Fotografías”, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1978, "Fotografías de Thea Segall", Consulado de Venezuela, Nueva York, 1980, "Lo que miró el Almirante", Centro Cultural Consolidado, Caracas, 1992, "Sinagogas", MACCSI, 1999 y "Caroní", MACCSI, 2002.

thea-sigall

thea-segall-2

thea-segall-3

thea-segall-4

thea-segall-5

thea-segall-6

thea-segall-7

thea-segall-8

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Distopías del cómic, la literatura y el cine protagonizan 2da edición de Zombi Exquisito

zombi-esquisito

El sábado 4 de noviembre a las 11 a.m. será inaugurada la 2da edición del proyecto artístico de cómics e ilustración Zombi Exquisito, con una exposición en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, que bajo el título “Distópolis” reúne un conjunto de obras de 17 artistas, en torno al tema de las distopías y cómo se ha manifestado este género en el mundo del cómic, la literatura y el cine.

Curada por los ilustradores Esther García y Mauro Salmaso, con la colaboración del artista y museógrafo Douglas García y de los artistas Jesús Torrealba y Alcides Marcano, la muestra incluye cómics e ilustraciones de diversos estilos y técnicas como óleo, acrílico, creyones y material de reciclaje, así como también 4 obras tridimensionales, todas seleccionadas previamente por los organizadores a partir de una convocatoria pública.

En esta segunda edición de Zombi Exquisito, cada artista presenta un mundo distópico que puede ser creación original o una adaptación del universo distópico que más le apasiona, ya sea versionando clásicos de ciencia ficción, post apocalípticos, de películas, literatura, cuentos, teorías de fin de mundo, etc.

Asimismo, la muestra estará acompañada de otras propuestas como talleres, charlas y música en vivo, e incluye un espacio con obras venezolanas existentes con el tema de las distopías, donde se mostrará parte del proceso creativo de cada obra, bocetos, creación de personajes y artes finales.

Durante la inauguración se presentará la agrupación musical “AnorexiaIsan” y se realizará una actividad de dibujo en vivo versión cómic, con la técnica “cadáver exquisito”, en la que los participantes ilustrarán la nueva aventura de Susy La Muerta, personaje imagen del evento que aparece en los posters de presentación. Cabe resaltar que esta actividad continuará luego de manera online a través del fanpage https://www.facebook.com/ZombiExquisito/, donde también podrán participar los artistas del interior y fuera del país

El público podrá asistir a la muestra “Distópolis” de la 2da edición de Zombi Exquisito que se inaugurará el 4 de noviembre a las 11 a.m., y permanecerá hasta el 17 de febrero de 2018 en el Espacio Álvaro Sotillo de la Biblioteca Los Palos Grandes, ubicada en la 3era avenida de Los Palos Grandes, entre 2da y 3era transversal. El horario es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 6:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 12:30 p.m. y de 2:00 a 3:30 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada a través de las cuentas de Twitter@culturachacao y @BibiotlecaLPG Facebook culturachacao.org  e Instagram culturachacao

zombi-esquisito-2

zombi-esquisito-3

zombi-esquisito4

zombi-esquisito5

zombi-esquisito6

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

En la muestra individual En[marcado]
Propuesta reciente de Jesús Guerrero
fusiona el marco y la pintura como un todo

jesus-guerrero-invitacion

Una exposición titulada En[marcado] será inaugurada el domingo 29 de octubre en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, a las 11 a.m., con una selección de obras de la reciente producción creativa del artista venezolano Jesús Guerrero.

En este proyecto, Guerrero amplía los límites materiales y perceptivos de la abstracción geométrica “para configurar composiciones racionales, simétricas y dinámicas que definen una determinada realidad pictórica; diversifica el formato superando la convención tradicional del rectángulo y el cuadrado para sumar el círculo y el trapecio como un recurso conceptual e instrumental determinante en el proceso creativo; e insiste con los ensayos monocromáticos con todas sus implicaciones y contenidos”, según afirma el curador Luis Velázquez en el texto que acompaña la muestra.

A partir de su necesidad de explorar y generar la forma, el autor produce una obra sobre las bases fundacionales de la abstracción pura, con materiales y técnicas considerados marginales (encerados, láminas y tintas industriales, costuras con máquinas industriales), y en donde el marco alcanza la categoría de arte al integrase a la pintura como “objeto encontrado”, o diseñado y construido por el artista atendiendo a sus ideas y necesidades creativas, tal y como explica el curador.

“Las molduras de Guerrero se adaptan y fusionan a la pintura con una propuesta para cada caso, lo que permite que funcionen como una unidad pictórica entendida y asumida como «verdad», sea que se perciban las respectivas correspondencias estéticas o no; una operación híbrida que en su complejidad llega a rozar los preceptos del conceptualismo”, escribe Velázquez.

Nacido en Tovar, Mérida, Jesús Guerrero ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Venezuela, Francia, Mónaco, Malta, Colombia y Perú, y está representado en importantes colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. A lo largo de más de tres décadas de trayectoria artística, su obra ha sido reconocida con varios premios entre los que destacan: Premio AICA a la Mejor exposición individual (Caracas, Venezuela); Premio Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, XXVII Salón Nacional de Arte Aragua, (Maracay, Venezuela); Premio Arturo Michelena, LX Salón de Artes Visuales Arturo Michelena (Valencia, Venezuela); Premio V Bienal de Arte Christian Dior, (Caracas, Venezuela); Mención Especial en la Bienal de Malta (Mónaco); Premio Gabriel Oliver,XXVIII Salón Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, (Mónaco); y Gran PremioXVIII Salón Nacional de Arte Aragua (Maracay, Venezuela).

La exposición En[marcado] de Jesús Guerrero se estará presentando desde el 29 de octubre hasta febrero de 2018 en la Galería GSiete del Centro de Arte Los Galpones, en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

jesus-guerrero

jesus-guerrero-2

jesus-guerrero-3

jesus-guerrero-4

jesus-guerrero-6

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

A partir del 27 de octubre en la Sala Rómulo Gallegos del Celarg.
El arte emergente
de Venezuela, México
y Colombia dialoga
en la exposición itinerante internacional "Travesia"

travesia-invitacion

Con una muestra que reúne una selección de obras bidimensionales de artistas venezolanos, colombianos y mexicanos, será inaugurado el proyecto expositivo internacional itinerante “Travesía”, el viernes 27 de octubre a las 5:00 p.m., en la Sala Rómulo Gallegos del Centro de Estudios Latinoamericanos, Celarg, con la curaduría de Carolina Sanz (Venezuela) fundadora de Caracas Arte Actual, y de Jorge Valdés (México) fundador de Arte El Escarabajo México, creadores de esta iniciativa.

Partiendo de la alianza entre curadores independientes, espacios de arte, gestores y entes culturales de distintos países de Iberoamérica, este proyecto tiene como objetivo concretar muestras artísticas itinerantes y proyectos comunitarios, que sirvan para estrechar lazos culturales, internacionalizar las obras de artistas emergentes y difundir el trabajo de gestores culturales contemporáneos, según afirman sus fundadores.

El proceso consiste en realizar curadurías en los países involucrados con el proyecto y los que deseen a la larga sumarse, para lo cual el comité fundador abrirá las puertas a postulaciones, y luego llevará a cabo la puesta en escena de las propuestas aceptadas, incluyendo a un curador nuevo encargado de seleccionar a los artistas del nuevo país anfitrión que reciba la muestra, en representación del mismo. 

La idea es, de acuerdo al texto de presentación, “llevar a cabo muestras expositivas itinerantes a nivel mundial, que  permitan evidenciar  la constante y prolifera producción de los artistas emergentes del mundo, además de permitir enlazar arte y comunidad a través de la puesta  en marcha de proyectos artísticos comunitarios replicables en diferentes latitudes”.

La muestra inicial de esta Travesía será en Caracas y cuenta con la participación de los artistas venezolanos Verónica Alvarado, Ernesto Dávila, Diego Mundaraín, Carolina Sanz, Gabriel Pérez, Hecdwin Carreño, Luis HN, Lía Sabela, Ronald Pizzoferrato “Malandro photos”, Bernardo Padilla “Enphoque”, Los Voladores Negros y Fabián Solymar “Dagor”; así como también de los mexicanos Ana Cecilia Quiroz López, Carla Helena Vázquez Juárez, Guillermo Aguilar Huerta, José Luis Vera Jiménez, Jorge Valdes Martínez, Marcela Arias, Otilio García Marabel; y de los colombianos Gris One, Pegatina Criolla, Kadir Molano, Daniel Martínez “Gavilán”, y Skore 999.

Esta primera exposición permanecerá en exhibición hasta el  26 de marzo del 2018. Posteriormente se tiene previsto presentarla en Colombia  y en México, para luego integrar a Chile, Argentina, Brasil y otros países que deseen recibirla.

El público podrá apreciar la muestra internacional itinerante “Travesía”, del 27 de octubre al   26 de marzo del 2018, en la Sala Rómulo Gallegos del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, Celarg, ubicado en la avenida Luis Roche de Altamira. El horario es de 12:30 m a 08:00 p.m. La entrada es libre.

travesia-7

travesia-2

travesia-3

travesia-4

travesia-5

travesia-8

travesia

travesi-9

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Salvador Guida expone su conformación lúdica en la Galería Universitaria de Arte de la UCV

salvador-guida-1

Un conjunto de obras del escultor venezolano Salvador Güida configuraguran la exposición “Conformación lúdica”, que será inaugurada el domingo 29 de octubre a las 11 a.m. en la Galería Universitaria de Arte de la Universidad Central de Venezuela, donde podrá ser visitada hasta el 22 de diciembre

La muestra permite apreciar la reciente propuesta de Güida a través de una selección de piezas, cuyos contenidos expresivos y discursivos parecen apropiados para el júbilo, el bienestar y la alegría, según expresa el curador y crítico de arte Perán Erminy, en el texto que acompaña este proyecto expositivo.

“El repertorio creativo o imaginativo de Salvador Güida parece concentrarse en imágenes vegetales o biológicas, construidas con ejes geométricos muy sintéticos, con núcleos euclidianos básicos y puros, con desarrollos rizomáticos, fractales o ‘constructivistas’ rusos (no del constructivismo supuestamente ‘neo-plasticista’ venezolano) que ha venido expandiéndose en el mundo del diseño industrial globalizado, más cercano a la abstracción mecánica que a la orgánica”, escribe Perán Erminy .

Para el crítico, sus  esculturas son objetos autónomos, independientes, libres de toda sujeción utilitaria o ideológica, que “valen por sí mismos, viven para sí mismos, para mostrar tal vez su plenitud objetual, física, no metafórica ni racional”.

Salvador Güida inició su carrera expositiva en 2007, y desde entonces ha mostrado su trabajo en exhibiciones colectivas e individuales, en Venezuela y otros países como Panamá e Italia.

El público podrá apreciar la obra de este artista en la exposición “Conformación lúdica”, que se estará presentando del 29 de octubre al 22 de diciembre, en la Galería Universitaria de Arte de la Universidad Central de Venezuela, UCV, en horario de lunes a viernes de 10:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.

salvador-1

salvador-2

salvador-3

salvador-3

salvador-5

salvador-6

salvador-7

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Desnaturalización: mango, carro y escoba
Gerardo Rojas.

Artistas invitados:
Iván Candeo
Marianela Díaz Cardozo
Alexander Gerdel
Aura Larsen
Federico Ovalles-Ar
Rafael Serrano
Jason Tack


Hora 11:00 am – 6:00 pm.
Centro de Arte Los Galpones, G8, Caracas

gerardo-rojas

En el Galpón 8 del Centro de arte Los Galpones, Gerardo Rojas presenta un proyecto plástico que se concreta en una Instalación en la que confluyen distintas obras instalativas, tanto del propio artista como de otros creadores que se han involucrado en esta aventura expositiva.

El proyecto titulado Desnaturalización: mango, carro y escoba, puede ser pensado como un análisis poético, un ejercicio de hermenéutica visual, en torno al problema del ser propio de la imagen: su modo de conformarse, su procedencia, el reconocimiento y develamiento tanto de las operaciones que la determinan, como de los quiebres y zonas de incertidumbre que la constituyen. Un análisis plástico acerca de los misterios del aparecer de la imagen y de la apariencia en general.

La Instalación se realiza a partir de una “imagen”, la fotografía de una “vista” familiar para Gerardo Rojas, de un “paisaje” con el que se encuentra diariamente al mirar desde la ventana de su casa; esta imagen registra un frondoso árbol de mango bajo cuya sombra se encuentra un carro y una escoba. Esta fotografía, este registro de una situación cotidiana y recurrente de su vida, es aprehendida por Gerardo no sólo como el relato de una situación habitual y ordinaria, sino examinando y distinguiendo en ella los diversos elementos formales y simbólicos que la describen y especifican. Esta “imagen” se abre, se despliega, se extiende en un conjunto de momentos analíticos (obras) en los que se hace referencia, por una parte, a la condición esencial de la imagen, a su textura identitaria, y por la otra, a múltiples dimensiones de la existencia personal y cultural. Una “imagen”, una “vista”, en la que se despiertan ámbitos de la memoria, del auto-reconocimiento, de la estructura significativa de la realidad.

En tanto que análisis poético, las obras de esta Instalación, así como el recorrido que en ella se propone, descomponen y desmontan formal, semántica y pragmáticamente el ser propio de la imagen en sus unidades fundamentales, en sus ingredientes y elementos constituyentes. La imagen se des-cubre, se reitera, se desdobla en sus diferentes aspectos, en las heterogéneas figuraciones que contiene y a las que alude.

En tanto que hermenéutica visual, es un ejercicio de interpretación en el que, a partir de una suerte de descomposición poética, se traza y se sugiere un complejo sistema de interconexiones entre las distintas obras que componen la Instalación, pero igualmente entre las obras y su contexto, y entre la Instalación y la realidad histórica y el entorno existencial en que acontece. En este sentido, Desnaturalización: mango, carro y escoba reúne un grupo de piezas de Gerardo Rojas que dialogan con obras colaborativas recientes de los artistas Iván Candeo, Marianela Díaz Cardozo, Alexander Gerdel, Aura Larsen, Federico Ovalles-Ar, Rafael Serrano y Jason Tack.

Desnaturalización: mango, carro y escoba ocupará el Galpón 8 del Centro de Arte Los Galpones a partir del domingo 29 de octubre hasta el 21 de enero, 2018.

Gerardo Rojas (Caracas, 1980). Estudia Arquitectura en la FAU-UCV, (1998-2004). Realiza estudios de intercambio académico en École de Architecture Paris La Seine, École de Baeux Arts, Paris (2000- 2001). Investigador del Centro de Estudios del Espacio Arquitectónico y Profesor de Diseño Arquitectónico en la FAU-UCV (2005-2009).  Co-Autor de libro Fuerza de Santiago de León de Caracas, Oscar Todtmann Editores, 2006. Actualmente Profesor de Taller de Plástica del Taller Ventrillon, FAU-UCV.

Exposiciones individuales: Panoramas: el espectáculo del paisaje, Sala Mendoza, 2009. Vectores de Lectura: una fotografía heterológica, CAA, 2012. The Powerless of Photoshop 2003-2013, CAA, 2013. 23 de Enero (Objeto y Espacio), Instalación de fotografías, Museo Jacobo Borges, 2016.

Exposiciones colectivas: Torres de Caracas: Modernidad Silenciada, Sala Mendoza, 2005. Arte Venezolano del siglo XXI, GAN, 2005. Ambulantes, Museo del Oeste Jacobo Borges, 2006. Desatar pasiones ciudadanas, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAMBO, 2008. Cidades Imaginadas Iberoamericanas, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP Ibirapuera, São Paulo, 2010. 65 Bienal Salón Arturo Michelena, Premio Andrés Perez Mujica, Agosto, 2010. Paisaje País, Velada de Santa Lucía, 2011. De visiones, acciones y reacciones, Galería 39, 2011. Propuestas de Arte Emergente, Centro de Arte Los Galpones, 2011. Salón de Premiaciones, GAN, 2012. Salón Jóvenes con FIA – XV Edición, Mención Honorífica, 2012. Melancolía en la Roca Tarpeya, La Caja /Centro Cultural Chacao, 2014. Resquicios, CAA. 2014. Panorámica: Arte emergente en Venezuela, 2000/2012, Sala TAC, 2014.

Para más información por favor comunicarse con los siguientes contactos:

Gerardo Rojas
gdorjs@gmail.com
Instagram: @desnaturalización
0412.317.7716

Carmen Araujo Arte
www.carmenaraujoarte.com
Teléfonos: 0212.419.82.63 | 0212.943.39.79
Facebook: Carmen Araujo Arte | twitter: @caraujoarte | info@carmenaraujoarte.com

gerardo-rojas-2

gerardo-rojas-3

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Fundación Espacio promueve 'CCScity450'
para conmemorar los 450 años de Caracas

Concursos de intervenciones urbanas, recorridos peatonales por Caracas y eventos de activación del espacio público, conforman la agenda de actividades orientadas a exaltar la historia de la ciudad y sus tradiciones arquitectónicas.
_________________________________________________________________________

Fundación Espacio en alianza con la Universidad Simón Bolívar y la Universidad Central de Venezuela, llevará a cabo una amplia programación para conmemorar los 450 años de Caracas, entre el 3 de octubre y el 09 de diciembre de 2017, que bajo el título CCScity450, tiene el propósito de plantear una reflexión sobre el espacio público a partir de una selección de importantes obras diseñadas por arquitectos o artistas norteamericanos en colaboración con profesionales venezolanos, que provocaron notables transformaciones en la arquitectura y el urbanismo de la ciudad.

El proyecto CCScity450, ideado por Fundación Espacio en su 10° aniversario con la colaboración de diferentes alcaldías del área metropolitana, así como de una serie de instituciones públicas y privadas, es producto de un trabajo de investigación dirigido por Aliz Mena y Franco Micucci, miembros fundadores de Fundación Espacio, profesores de la Universidad Simón Bolívar; junto a María Isabel Peña, miembro asociado y profesora de la Universidad Central de Venezuela.

La programación arrancará el 3 de octubre con la convocatoria para la inscripción, a través de a página www.CCScity450.com.ve, de una serie de concursos de proyectos participativos en el espacio público en diez sectores de la ciudad, con premios en efectivo (40 millones de bolívares) a las diez mejores propuestas y el financiamiento para la ejecución de tres obras (de aproximadamente 200 millones de bolívares cada una).

El proyecto CcsCity450 incluye dentro de su agenda de actividades una serie de siete recorridos urbanos, tres de reconocimiento paisajístico y dos eventos de activación del espacio público, del 14 de octubre al 11 de diciembre, todo ello en el entorno de edificaciones con valor patrimonial, conjuntos urbanos, obras de arte y proyectos, desarrollados en Caracas desde 1925 hasta la actualidad.

Cabe destacar que la página web, www.CCScity450.com.ve, además de funcionar como una biblioteca virtual de acceso público a toda la información documental e histórica de las obras seleccionadas, permitirá consultar información sobre las actividades, recorridos, eventos y concursos.

Las inscripciones para los concursos, eventos y recorridos son gratuitas y deberán realizarse a través de su registro en la página web www.CCScity450.com.ve.

Convocatoria a los concursos de intervención en el espacio público

Uno de los principales ejes de CCScity450 es la convocatoria a concurso para presentar propuestas de intervenciones de urbanismo táctico, temporales y/o efímeras en diez lugares emblemáticos de la ciudad, dirigida a grupos organizados representativos de distintas disciplinas, profesiones u oficios, y estudiantes capaces de abordar planteamientos de ciudad referidos al tema del espacio público en Caracas, en los que debe existir al menos un profesional responsable en el país, entre los miembros del equipo.

Los lugares de intervención están conformados a partir de la construcción de un imaginario de diez sectores de ciudad que permiten caracterizarlos de manera reconocible: S01 Ciudad Histórica (Plaza O'Leary / Avenida Urdaneta), S02 Ciudad Montaña (San Bernardino), S03 Ciudad Hospitalaria (Avenida Andrés Bello), S04 Ciudad Universitaria (Ciudad Universitaria / Los Chaguaramos), S05 Ciudad Recreativa (Bello Monte / Sabana Grande), S06 Ciudad Río (Las Mercedes / Chuao), S07 Ciudad Jardín (Altamira / La Floresta), S08 Ciudad Industrial (Los Cortijos), S09 Ciudad Deportiva (La Rinconada / Las Mayas) y S10 Ciudad Verde (Chacaíto / Caracas Country Club).

Cada equipo de participantes puede inscribirse hasta en tres (3) de estos sectores de la ciudad, los cuales han sido agrupados de acuerdo a una serie de atributos o características diferenciadas tanto de localización, como de actividades y condición urbana, con el objetivo de debatir ideas sobre la ciudad, su condición actual y su proyección hacia el futuro cercano.

Evaluadas a partir de cuatro dimensiones -arquitectónica y urbanística, artística o de diseño industrial, ambiental y paisajística, y socio-cultural- las ideas o propuestas ganadoras serán seleccionadas de acuerdo a su relevancia y factibilidad para su implementación, por un jurado integrado por 7 miembros principales y sus respectivos suplentes, en el que se incluye la presencia de un representante de la Alcaldía del Municipio correspondiente y un representante de la Asociación de Vecinos o Comunidad de cada lugar de intervención.

Por cada sector o lugar propuesto se escogerá un semifinalista según lo indique el jurado calificador, pudiendo dejar desierto lugares o categorías de premiación. A cada semifinalista se le otorgará un premio de 40.000.000,00 Bs (Cuarenta millones de bolívares) como reconocimiento al valor intelectual de las ideas propuestas. Asimismo, el jurado seleccionará tres propuestas de los diez trabajos semifinalistas, como ganadores del financiamiento para su ejecución por un monto de hasta 200 millones de bolívares (Doscientos millones de bolívares).

El período de inscripciones para estos concursos será del 03 de octubre al 19 de noviembre de 2017, y se realizará a través de la página web www.CCScity450.com.ve, mientras que la entrega de propuestas será hasta el día martes 21 de noviembre (incluido).

Recorriendo el valor urbano y arquitectónico de la ciudad

Además de los concursos participativos de intervenciones urbanas, CCScity450 incluye en su agenda de actividades una serie de recorridos y eventos gratuitos, entre el 14 de octubre y el 09 de diciembre de 2017, abiertos a todo público a través de un registro por la página web, que ofrecerán la oportunidad de descubrir lugares emblemáticos de Caracas a partir del reconocimiento del valor urbano, arquitectónico y temporal de sectores, edificaciones y espacios públicos de la ciudad, entendiendo la transformación urbana y social de la ciudad y sus condiciones actuales.

De igual forma, los participantes podrán realizar un registro fotográfico a través de sus cuentas de Instagram para su divulgación utilizando la etiqueta #CCScity450. Una selección de esas imágenes serán publicadas tanto en la cuenta de Instagram del proyecto @CCScity450, como en una sección de la página web diseñada especialmente para publicar las mejores imágenes que serán destacadas y que participarán en un concurso de fotografías.

Para mayor información sobre el proyecto, visitar la página web www.CCScity450.com.ve, seguir la cuenta @CCScity450 en las redes sociales (Instagram, Twitter y Facebook), o escribir al correo electrónico CCScity450@gmail.com


¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Rafael Arteaga recrea objetos cotidianos desde la memoria en la Galería Espacios de El Rosal



El tema de la memoria es abordado una vez más en la nueva propuesta artística de Rafael Arteaga, que bajo el título “Memorabilis” será exhibida desde el próximo sábado 7 de octubre a las 11 a.m., en la sede de la Galería Espacios ubicada en The Hotel (El Rosal), donde podrá ser visitada hasta el 26 de noviembre.

Rafael Arteaga es un creador ubicado entre temporalidades encontradas. “Un artista joven que parte de la imaginación y del Divino oficio de la pintura, propiciando procesos dialógicos entre el pasado y el presente, sin ningún viso de nostalgia, relativizando el tiempo, convocando la memoria involuntaria, la de Proust y por extensión la de Bergson”, según expresa la curadora e investigadora de artes visuales, Marianella Guevara, en el texto que acompaña la muestra.

El artista “revisa, reelabora, se reapropia y transforma un objeto cotidiano incorporado en los tuétanos de la cultura mediática y la tradición contemporánea. Arqueología contemporánea en el que Arteaga resemantiza algunos alimentos de la cesta básica y los pone a dialogar con objetos que son cotidianos, pero que también se han mutado en extraordinarios en la actualidad nacional, como es el caso de un simple litro de aceite comestible, una caja de Zucaritas o un paquete de Harina Pan”.

Con una clara influencia dentro de la investigación de su pintura, al hecho de haber ejercido labores de restauración en frescos y murales del siglo XIX y de la colonia venezolana, las telas de Arteaga llevan capas de colores superpuestas, que en la gran mayoría de los casos simulan la condición de obras inconclusas, con un chorreado hecho ex profeso, en el que deja constancia de un recurso lúdico que refleja el goteo del tiempo, mostrando la imagen en su proceso de desdibujamiento, según explica la curadora.

Bolsas que trastocan su funcionalidad y adquieren un valor pictórico por sí mismas, un objeto artístico que lleva por título Pasaporte, discos de vinil,cartones de huevos y una imagen de Francisco de Miranda, son algunas de las obras que se pueden observar en la muestra “Memorabilis” de Rafael Arteaga (Caracas, 1986), artista emergente caracterizado por su discurso lleno de humor e ironía, quien inició su carrera expositiva en 2012 y desde entonces ha exhibido su obra en Venezuela, Estados Unidos, Alemania e Italia.

La exposición “Memorabilis” de Rafael Arteaga se estará exhibiendo del 7 de octubre al 26 de noviembre, en la Galería Espacios, ubicada en The Hotel, en la calle Mohedano de El Rosal, en horario de 10 a.m. a 1 p.m. y de 2 a 7 p.m., sábados de 9 a.m. a 2 p.m. La entrada es libre.

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

UN IMAGINARIO A PARTIR DE LAS TELAS
TRAE ABRAHAM ROSALES A CERQUONE PROJECTS



Retazos y acumulaciones de telas le permiten crear un universo de imágenes y formas abstractas al joven artista Abraham Rosales en su primera muestra individual en Caracas, que bajo el título de Imaginario se exhibe a partir de este sábado 7 de octubre a las 2:00 p.m., en los espacios de Cerquone Projects en La Castellana.

Vinculado desde pequeño con fábricas y talleres de costura, acumulaciones de rollos de telas y multiplicidad de texturas y colores que lo llevaron a manejar una impronta que hoy convierte en obra artística, Abraham Rosales presenta una exposición bastante nostálgica, según el mismo afirma. "Se trata de ir al pasado buscando recuperar sensaciones. Realzando los elementos que me marcaron. Tomando de ellos ciertos atributos e incluyéndolos a mi obra más reciente”.

Conformada por constelaciones, universos de puntos desplegados en círculos de telas, formas orgánicas y la simetría de los bastidores, la muestra consta de 4 instalaciones y 12 obras que abordan todas estas investigaciones e inquietudes acerca de lo vivido por años en la fábrica de ropa familiar. La primera instalación consta de 250 kilos de telas apiladas

“Estas acumulaciones eran lo más llamativo para mí al entrar en una fábrica, debido a mi estatura, parecían montañas que podía escalar. Eran épocas muy buenas para la producción textil, se generaba muchísimo material de retazos que se iban apilando para luego ser botados. La manera en que se apilaban y su forma iba mutando a través de los días y convirtiéndose cada vez en un cuerpo más volumétrico, me llevó a descubrir formas imaginarias orgánicas que se van dando de manera espontánea y con el tiempo introduje esto a mi obra”, expresa el artista.

La segunda instalación son los DOTS, una constelación hecha con 1500 puntos de tela cuyos colores se unen por las formas, especies de espirales que van desplegando sus tonalidades, acumulándose muchas de ellas en paredes y otros con escasez de ellos en el espacio. Es una recreación de su imaginario infantil donde “lo real de las telas y las líneas, lo transformaba en mi cabeza en espirales infinitas de colores contrastantes. Cada pieza flotando busca generar movimientos espontáneos e invitan a crear imágenes uniendo los puntos”.

En la Sala 2 de Cerquone Projects, en La Castellana, el artista Abraham Rosales exhibe una serie de listones con telas tensadas, muchas de ellas coleccionadas en el tiempo, donde el color, la textura y el estampado generan un contraste visual, además de bastidores serigraficos manipulados por la producción textil.

“El contraste que se genera entre ellas, permite realizar composiciones si se quiere muy pictóricas y con mucho contenido visual. Usar la línea como soporte es fundamental, su forma repetitiva genera ritmos a través de la conformación necesaria de un binomio como la línea y el color”, expresa el joven artista.

Abraham Rosales (Caracas, 1993), profesional del diseño y la serigrafía, ha exhibido su obra desde el 2009 en una serie de muestras individuales y colectivas en Venezuela y Madrid.

La muestra Imaginario podrá verse desde el 7de octubre hasta el 18 de noviembre en Cerquone Projects, final Av., San Felipe quinta 117, La Castellana. La entrada es libre

Imaginario - Abraham Rosales
12 obras
4 instalaciones
Museografia: Cerquone Projects

Emile Massieu
+58 4141560932
@emilemassieu

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

LA PIEL INTEMPORAL CREADA POR ROLAND RAMIREZ SE MUESTRA EN OKYO



La naturaleza en la que conviven la comunidad indígena ye´kwana y la cordillera montañosa que rodea Caracas, es el paisaje de fondo que cubre, revela y se trasparenta a través de los tejidos de cestería presentes en la obra pictórica de Roland Ramírez, quien inaugura su muestra individual La piel intemporal, este domingo 24 de septiembre a partir de las 11:00 a.m., en la Galería Okyo de Las Mercedes.

Este creador con casi tres décadas de experiencia y proyección en las artes, la docencia y la investigación, estableció una conexión con los pobladores que bordean el rio Caura, en el Amazonas, donde registró los procesos artesanales de esta cultura indígena, permitiéndole nutrirse y reinterpretar esos volúmenes hechos con fibra vegetal que están presentes como una capa, un entramado en su obra artística.

“Partiendo de su gran familiaridad con estas tradiciones que transforman las tiras de fibra vegetal, o sea simples líneas, en planos y volúmenes, donde la cuadrícula es a la vez estructura tridimensional y la base binaria de un lenguaje gráfico, Ramírez utiliza su conocimiento de las ecuaciones espaciales para expresar y acentuar el volumen de las cestas, explorando con asombro sus misterios geométricos, curvas y velocidades. Los detalles casi microscópicos del ‘pixelado’ del tejido, ampliados al gran formato, se vuelven una suerte de matriz híper tecnológica, futurista, con fines rítmicos de un mundo que oscila entre el mosaico y la matemática”, según expresa Paul Desenne en el texto que acompaña la muestra.

La piel intemporal de Roland Ramírez se proyecta en 10 pinturas en mediano formato, en los que se observa una estructura revelada de fibras tejidas, cuyo fondo o planos inferiores exploran un paisaje de naturaleza sobre cielos, montañas o las aguas del río Nichare, afluente mágico del Caura, y que a juicio de Paul Desenne constituyen un mundo simbólico.

“De las tiras de fibra, bidimensionales, nace la tridimensionalidad de la cesta que constituye el mundo; nace el vacío interior del objeto, que como dice sabiamente el Tao-te-King es lo que permite el adentro y el afuera: que la casa sea habitable, que el cuenco se pueda llenar, que el centro de la rueda pueda recibir el eje que le permite rodar. La sensación inevitable ante estos cuadros de Roland Ramírez es la dualidad entre el espacio interior y el mundo externo, el cual en algunos casos solamente vislumbramos a través de la boca de la gran cesta que nos envuelve (…) El tema de estos cuadros es la piel que está entre ese adentro y el afuera”, acota Desenne.

Roland Ramírez (Caracas, 1956) estudió dibujo con Pedro Centeno Vallenilla y en una de las escuelas de arte más prestigiosas del mundo, l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, en París, Francia. Además de ser un investigador incansable de las metodologías de diseño y producción de obras monumentales de todo tipo; murales, dioramas, escenografías, instalaciones, escultura, bajo relieve, etc., es matemático, profesor de diseño geométrico y explorador de los ríos y selvas del Estado Bolívar.

Su actividad artística la inició en 1985 con importantes muestras individuales y colectivas en Venezuela y Francia, desarrollando murales en edificaciones de la ciudad, además de crear una pieza mural en el Pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Hannover, Alemania, en el año 2000. Actualmente trabaja en el diseño y redacción del libro “Geometría descriptiva aplicada al diseño y a las artes”.

La exposición La piel intemporal se estará presentando del 24 de septiembre al XX de noviembre en la Galería OKYO, ubicada en la calle Veracruz, Edificio La Hacienda, PB, Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Para mayor información visitar la página web www.galeriaokyo.com o seguir las cuentas de Twitter @okyoart e Instagram @okyogaleria

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

EL NARCOLIBRO
DE DIANORA PEREZ
GANA EL XX SALÓN JÓVENES CON FIA
EN EL MACZUL

La artista caraqueña Dianora Pérez resultó ser la ganadora del primer lugar del XX Salón Jóvenes con FIA, que recientemente se inauguró en el Maczul por su obra artística de El Narcolibro.

El jurado, integrado por Idelisa Rincón, Humberto Valdivieso y Jimmy Yánez, decidió por unanimidad otorgarle el principal galardón a esta joven, que consiste en una exposición colectiva con el segundo y el tercer premio del presente Salón la Galería D'Museo de Caracas, un premio en metálico y un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua.

El Narcolibro proyecto en lectura Braille e impresiones tipográficos, compuesto por 14 cuadernillos dispuestos en una caja, que recogen la memoria de algunos hechos violentos ocurridos en Venezuela durante las últimas décadas y que de ninguna manera se han presentado como data a la opinión publica venezolana.

La obra es producto de la investigación sobre el tráfico ilícito de estupefacientes y sustancias psicotrópicas, así como del lavado de dinero en Venezuela, desde el 2007 al 2015, y promueve la lectura entre videntes e invidentes." Hace visible como se ejerce el poder para corromper los organismos gubernamentales", comenta la artista Dianora Pérez.

Esta propuesta artística presenta los 13 casos más conocidos, del narcotráfico venezolano, y en cada uno se describe la participación de cada funcionario del gobierno Bolivariano (civil o militar), desde su cargo y su aporte para la corrupción. Según expresa la artista Dianora Pérez "El Narcolibro pone en evidencia el poder del rojo gubernamental para hacer de la corrupción una legalidad incuestionable"
Nacida en Caracas, 1981, Dianora Pérez es profesora de Artes Plásticas en la UPEL - IPC, entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres en la ONG con Nelson Garrido y Juan Toro. Inicia su carrera expositiva en el 2002 con muestras colectivas, siendo sus actividades más recientes su participación en la Edición Premio Mendoza ediciones 2016 y 2017; Salón Octubre Joven, Museo de Valencia, en 2016; 3ra Bienal de gráfica Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez y el 40° Nacional de Arte Aragua., años 2015 y 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en el Premio Mendoza #14.

El segundo y tercer premio del XX Salón Jóvenes con FIA correspondieron a dos artistas del interior del país, María Fabiana Zapata (Porlamar, 1979) y Ricardo Arispe (Barquisimeto 1981), quienes participarán en una muestra colectiva en la Galería D'Museo y tendrán igualmente un espacio expositivo colectivo, de investigación y archivo digital en el Museo de Arte Contemporáneo del ZULIA, Maczul, y en las Universidades Católica Andrés Bello y Bicentenaria de Aragua, respectivamente.

Sobre la Diáspora y otras acciones de irse o volver, realizada en 2017 por María Fabiana Zapata, es una instalación-collage con hojas de pasaporte, libros, estampillas y encajes en la que la artista se permite explorar el fenómeno migratorio venezolano de una manera multidimensional, vinculando los procesos migratorios pasados y que en la actualidad se revierte la acción. Por su parte Ricardo Arispe con su obra fotográfica y de collage digital titulada La Ultima Guarimba registra con humor y sátira visual la realidad más cercana y sufrida por los venezolanos donde la opinión, las promesas, las acciones colectivas e individuales retratan un país lleno de contradicciones y necesidades.

Cabe destacar que el jurado del XX Salón Jóvenes con Fia otorgó tres menciones de honor a los artistas Ernesto Dávila, Aureliano Parra y Aymara Monsalve.

El Salón Jóvenes con FIA se está presentando en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) bajo el título El Poder y diálogos visuales; además de realizar una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este encuentro para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.
Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Salón Jóvenes con FIA 2017 llega al MACZUL
con la exposición
de su 20° edición
y una muestra retrospectiva


El Salón Jóvenes con FIA tomará las salas 1 y 5 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) a partir del sábado 16 de septiembre a las 5:00 p.m., con la exposición y premiación de la vigésima edición de este importante certamen de arte, que este año lleva por título El Poder y diálogos visuales; y una muestra retrospectiva con obras de los ganadores de las ediciones anteriores, para celebrar dos décadas de la realización de este Salón para las artes emergentes.

Organizado por la Feria Iberoamericana de Arte FIA, con el patrocinio de Suelopetrol y Banesco, el XX Salón Jóvenes con FIA reúne, bajo la curaduría de Yuri Liscano, las propuestas de diecinueve creadores venezolanos y uno chileno, junto a las obras de tres artistas invitados fuera de concurso; mientras que la exposición retrospectiva, bajo el título de Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo permitirá apreciar la evolución artística de los ganadores desde la primera edición del Salón- 1998-hasta la actualidad-, con la curaduría de María Luz Cárdenas y de Alberto Asprino.

A través de propuestas diversas como instalaciones, collages, acrílicos, fotografía digital, obra sobre papel, vídeo, audio y bordados sobre liencillos, el Salón Jóvenes con FIA en esta edición refleja la visión y reflexión de sus participantes acerca de la actual situación política, social y económica que vive el país, abordando el poder desde el deseo, la creatividad y la perseverancia de los creadores visuales, junto a la lucha de los organizadores por mantener en pie este encuentro reflexivo como una mirada esperanzadora en medio de las circunstancias, según afirma el curador Yuri Liscano en el texto que acompaña la muestra.

“Paralelamente a esta noción, se suman otras formas en las que el poder se manifiesta: la fuerza devastadora de la naturaleza, el carácter del ser humano para enfrentarse a distintas adversidades, el silencio o la palabra como dictamen; la decisión de formar, o no, parte de la diáspora; la ciudad como ente centralizado de mando, la hegemonía del Estado sobre la población y las ramificaciones que genera, influyentes en todos los ámbitos de la vida social”, escribe Liscano.

El XX Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales narra las angustias y devela una vorágine de acontecimientos íntimos y, a la vez, de todos, según palabras del curador. “Se alza como denuncia a la política entendida como mera ideología, esa que no atiende al colectivo. Aspira plantear interrogantes e inquietudes, compartir desasosiegos y ansias, siempre valiéndose del escenario circundante. Una especie de intercambio de vivencias, visiones y relaciones con el poder”.

Juan Diego Pérez La Cruz, Daniela Quilici, Samuel Yanes, Ricardo Arispe, Jesús Briceño, Mario Goncalves, Aymara Monsalve, Dianora Pérez, Gabriel Pérez, Fabián Rodríguez, María Fabiana Zapata, Luis Cabrera, Raúl Herrera, Katiuska Angarita, Ernesto Dávila, Aureliano Parra, Rodrigo Figueroa, Manuel Vásquez-Ortega, Rómulo Peña y Sebastián Riffo, son los artistas que participan en este Salón, que cuenta además con la presencia de Francisco Acuña, José Vivenes y Robert Montilla, en calidad de artistas invitados.

Una mirada referencial

Por su parte, la muestra retrospectiva que acompaña esta XX edición del Salón Jóvenes con FIA, da cuenta de 20 años de recorridos plurales, marcados por la diversidad, cruzados por múltiples conceptos, en un rango que incluye las más radicales disciplinas, tendencias y técnicas, según afirman los curadores María Luz Cárdenas y Alberto Asprino.

La selección que conforma la retrospectiva permitirá apreciar los cambios sociales y tecnológicos, diferentes medios y soportes visuales, así como la enorme potencia conceptual que caracteriza a la producción artística joven, a través de un conjunto de obras de los artistas que han ganado las diferentes ediciones del Salón Jóvenes con FIA, entre los que se incluyen Alfredo Sosa, Eduardo Molina, Alexander Apóstol, Gustavo Artigas, Juan Araujo, Ángel Marcano, Nayari Castillo, Federico Ovalles, Reymond Romero, Jaime Gili, Flix, Juan Pablo Garza, Camilo Barboza, Armando Ruiz, Manuel Eduardo González, Luis Mata, Beto Gutiérrez y Jonathan Lara.

La exposición de la XX edición del Salón Jóvenes con FIA El Poder y diálogos visuales y la muestra retrospectiva Jóvenes con FIA, 20 Años. Un compromiso con el arte contemporáneo, podrán ser visitadas del 16 de septiembre al 3 de diciembre, en las salas 5 y 1 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), respectivamente, ubicado en la Avenida Universidad con Prolongación Cecilio Acosta, Maracaibo, estado Zulia. La entrada es libre.

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

Proyecto expositivo
de la venezolana
Annette Turrillo
protagoniza individual
en el Coral Gables Museum

Un reconocimiento a la mujer y sus logros a pesar de los obstáculos que ha enfrentado a lo largo de la historia, es el punto de partida de la nueva propuesta artística de la venezolana Annette Turrillo, que bajo el título "Sublimations" tomará una sala del museo estadounidense Coral Gables Museum, del 1 de septiembre al 19 de noviembre, con una serie de instalaciones a gran formato, cuya puesta en escena dentro del espacio expositivo ejerce una influencia directa sobre la estética.

"El objetivo de estas instalaciones es llevar el concepto plástico más allá de lo bidimensional, en una experiencia sensorial de espacio y de volumen, estableciendo un diálogo entre el consciente e inconsciente, lo espiritual y lo tangible, que permita transportar al espectador a un estado reflexivo", afirma Turrillo.

Es así como a través de un recorrido en diferentes etapas por las diversas instalaciones y sus mensajes, la muestra presenta un enfoque positivo y de proyección hacia un futuro donde el trabajo y la superación continua del género femenino alcance igualdad y pleno reconocimiento, e interpela al espectador incitándolo o motivándolo a tomar unos minutos de reflexión, para llevarlo a una coparticipación de la obra y por ende de la exposición, según explica la artista.

"Con mi propuesta Sublimaciones, Mujeres en la Historia, quiero dar el reconocimiento a todas esas mujeres, que con su valentía, trabajo y empeño, labraron lo que hoy es La Mujer Contemporánea (…) la lucha por el derecho al estudio, al trabajo, al voto, el divorcio, entre otros logros, fueron cambiando el curso, la percepción, el avance y la participación de la mujer en el mundo".

Por su parte, la curadora y crítico de arte Carol Damian, considera que para la exposición "Sublimations" (Sublimaciones), Annette Turrillo "aborda su proceso creativo a través de la lente de la espiritualidad e invita al espectador a participar con sus propios métodos de autorreflexión, inspirados por su arte".

Artista conceptual que utiliza instalaciones y patrones repetitivos para entregar sus mensajes, "Turrillo trabaja con objetos (acumulaciones de zapatos en una de las obras de esta exposición, Patterns and Divergences); Dibujo y pintura, y los efectos técnicos. Aportando un estilo de dibujo matizado a sus pinturas, las imágenes están dominadas por caras monumentales representadas en diferentes formatos y siempre apenas apareciendo desde el fondo, ya que las mujeres también han sido forzadas al fondo, animadas a emerger silenciosamente y sutilmente para hacerse oír", apunta la curadora.

Para Carol Damian, las sublimaciones de Annette exploran la fortaleza interior y la profundidad de espíritu de las mujeres. A su juicio, "cada instalación en la exposición se refiere a un yo interior de la mujer revelado a través de su rostro. Casi holográfico en su aspecto hipnotizante, el rostro es inspirador. Se puede fragmentar, recortar e incluso desaparecer, pero mantiene rasgos reconocibles y su propia presencia inspira reflexión. El espectador está invitado a completar el cuadro, tal vez se imagina como una cara monumental, y aspirar a nuevas alturas de logro y reconocimiento".

Residenciada en Francia desde 1995, Annette Turrillo ha desarrollado una amplia y reconocida trayectoria artística a lo largo de más de dos décadas, durante las cuales ha exhibido su trabajo en diversas ferias internacionales de arte, museos, salas y galerías, en Venezuela, Francia, Estados Unidos, Puerto Rico, Finlandia, Holanda, Perú, Lituania, Rusia, y Turquía, entre otros países.


¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Culturísima recomienda

DaliaFerreira

Vivo fuera de mi cuerpo, aún en Venezuela. Mezcla de angustia, amarga impotencia, tristeza, temor... pero al mismo tiempo... Esperanza, orgullo indescriptible de ver a mi bravo pueblo jugándose la vida para salir de esta demencial situación.

Nuestros guerreros de luz: los guapos de la resistencia, las mujeres, las abuelitos, el señor del papagayo, los estudiantes, los enfermos, los dirigentes, los presos políticos, las legiones espirituales de otros planos y todos los civiles caídos, que ahora guían nuestros pasos: Un verdadero Ejército de Paz que obra sobre nuestra Venezuela

Dedico esta obra llamada La Marcha a la poderosa Fe con que nos protegen y fortalecen cada Día las Madres en sus oraciones. Amén.

@DaliaFerreira

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Artistas venezolanos
Toña Vegas y Tony Vázquez - Figueroa
exponen en Nueva York

Los artistas venezolanos Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa se encuentran exhibiendo actualmente en la ciudad de Nueva York (USA), un trabajo en conjunto que bajo el título “Inventory /Takes” ocupa los espacios del centro cultural The Clemente, con sendas propuestas artísticas en torno al concepto de “Inventario”, cada una desde una perspectiva diferente.

En esta muestra, de acuerdo a la curadora Lorena González, los artistas han unido sus investigaciones y “han construido a lo largo de sus procesos creativos una obra comprometida con el establecimiento de diálogos y relecturas que surgen como contrapunto visual frente a las problemáticas de la efervescente materia cotidiana que nos rodea”.

Toña Vegas presenta, según ella misma explica, una propuesta conformada por dos series –Transmigración, obras en mixed media impresas sobre papel, y Ser dignos del olor del pan, obras en óleo y cera sobre tela.

Para Vegas, cada uno de los seres humanos crea un tejido propio, orgánico y sutil, que a su vez se relaciona con el tejido de los otros. “Podría decir que mi propuesta es una de esas formas de ‘precipitación’ de tejido sutil en obra. Considero mi trabajo como una obra poética que conjuga forma y contenido. Es contundente visualmente y a la vez está formado por capas de contenidos (tejidos) que se entrelazan entre espacios móviles generados por la magia del color”.

En la serie Transmigración, construye espacios a través del color y la asociación sensible de las imágenes fotográficas, que provienen de su observación, del contacto con obras de otros artistas, siempre en forma oblicua, y de la mirada atenta de lo que le rodea; mientras que en la serie de óleos Ser dignos del olor del pan, expone su vivencia de la situación actual venezolana en relación a la gran escasez, “no sólo desde el punto de vista de la alimentación física, sino de la dignidad humana esencial que significa la acción de percibir el olor del pan (hecho cultural y espiritual fundacional de lo humano)”, expresa la artista.

“Visualmente, la serie de los óleos se desprende de la serie Transmigración: así como las imágenes fotográficas en esa serie han sido tomadas en forma oblicua, las imágenes de esta serie de óleos son extractos frontales de las anteriores, logrando un macro de zonas significativas, pero siempre interceptadas por una especie de veladura que contiene símbolos del paquete de harina PAN, nuestro pan”.

Por su parte, Tony Vázquez–Figueroa presenta, según explica la curadora Lorena González, una serie titulada Des-abasto, conformada por más de cien objetos hechos de resinas que representan los alimentos y medicinas que escasean en Venezuela, pequeñas esculturas de la memoria selladas por la impronta química, que desaparecerán con la acción del tiempo dentro del espacio expositivo.

Asimismo, exhibe en paralelo un conjunto de doce fotografías que registran la acción performática de los componentes como metáfora viva de lo real. A juicio de la curadora, “en sus otras series la apuesta se extiende hacia la permanencia de estos mismos objetos, encapsulándolos en museográficas cajas de acrílico o consolidándolos a través del trabajo en concreto, gesto escultórico donde ese archivo vital salta de su categoría de deseado objeto de uso a petrificado objeto museable”.

En “Inventory/Takes” Toña Vegas y Tony Vázquez–Figueroa “transitan al borde de paradojas que se acentúan gracias a la oscura veta de los últimos acontecimientos vividos en la insondable crisis política, económica, social y humana de la Venezuela reciente. Es así como desde la pintura, la fotografía, la instalación y la escultura, sus líneas de trabajo se engranan en el espacio expositivo, levantando ante al espectador un inventario de cercanías y distancias, tachaduras y reveses, encuentros y desencuentros, olvidos y apariciones de un paradigma social que aún no ha podido encontrar respuestas frente a los vibrantes vacíos de este contradictorio nuevo siglo”, afirma Lorena González.

Esta exposición en la ciudad de Nueva York, que por la calidad y por el número de obras es una individual en tándem, constituye la primera de una serie de exposiciones que paralelamente estará realizando Toña Vegas por las ciudades de Miami y Los Ángeles durante el 2016 y el 2017.

tonyavegasofficial.com
T +1 929208 8844

¡CULTURÍSIMA... INFORMAMOS DIFERENTE!

Volver._
 

2009 © Todos los derechos reservados. Culturísima. Desarrollado por Brain Storm Publicidad, C.A Rif . J-31028130-0
Términos y Condiciones